Paolo Fresu

De par son nouveau statut d'invité des Rencontres de Calvi, Paolo Fresu est désormais sur la page "invités".

Né à Paris de parents vietnamiens, le guitariste Nguyên Lê cofonde en 1983 le groupe ULTRAMARINE.

Musicien autodidacte à vocation ouverte, il joue de ses cordes autant pour le rock et le funk, la chanson, le Jazz contemporain, l'électro-acoustique et surtout les musiques extra-européennes.

Ses collaborations sont innombrables : Art Lande, Marc Johnson & Peter Erskine, Andy Emler, Michel Portal, Miroslav Vitous, Trilok Gurtu, Sylvain Marc, Antoine Illouz, Aldo  Romano, J. F. Jenny Clarke, Dewey Redman, Jon Christensen, Bunny Brunel, Daniel Humair, Michel Benita, Nana Vasconcelos, Glenn Ferris, Christof Lauer, Paolo Fresu, Art Lande, Paul McCandless, André Ceccarelli, Richard Bona et d'autres encore.

En 2008, il enregistre "The Othello Syndrome", de Uri Caine, « Blauklang », le nouvel album de Vince Mendoza & aussi « Dream Flight », le nouvel album du trio Erskine - Lê - Benita, avec Stéphane Guillaume en invité au sax.

Un nouveau disque sort en oct 2009: SAIYUKI, un trio asiatique avec Mieko Miyazaki (koto) & Prabhu Edouard (tablas), & Hariprasad Chaurasia (flute) en invité. En tant qu’ingénieur du son il mixe le nouvel album de Dhafer Youssef «Abu Nawas Rhapsody» avec qui il tournera en concert en 2010.

Un extrait vidéo : "Ave Maria"  où Nguyên Lê rencontre... le Concordu de Orosei !!
12 août 2009.

John Mc Laughlin

Né le 4 janvier 1942 dans le Yorkshire, le guitariste John McLaughlin, également connu sous le nom de Mahavishnu, a commencé sa carrière en Angleterre dans les années soixante. Après un disque avec Tony Oxley et John Surman (Extrapolation), dans lequel s'expriment déjà sa grande technique, sa vélocité et son inventivité, il part en 1969 aux Etats-Unis pour rejoindre le Lifetime de Tony Williams. Puis il est engagé par Miles Davis pour ses albums majeurs In A Silent Way, Bitches Brew (dont un morceau s'appelle tout simplement John McLaughlin), Big Fun, A Tribute to Jack Johnson et l'album Live/Evil. Il joue également avec Miroslav Vitous, Larry Coryell, Wayne Shorter et Carla Bley.

Il fonde en 1970 le Mahavishnu Orchestra avec le violoniste Jerry Goodman, auquel succèdera Jean-Luc Ponty, Jan Hammer, Rick Laird et Billy Cobham. Ce sera le premier groupe de fusion jazz/rock avec des influences indiennes.

Changement radical avec la création avec Zakir Hussain de Shakti (l'énergie en sanskrit), groupe acoustique qui combine la musique indienne et le jazz. En 1973, il enregistre Love Devotion Surrender avec Carlos Santana, autre disciple du guru Sri Chinmoy.

Il participe également à des rencontres autour du flamenco avec Paco de Lucia et Larry Coryell, puis Al Di Meola. Ce sera le Guitar Trio.

Le groupe Shakti renaît avec Remember Shakti où, à côté de Zakir Hussain, il joue avec de grands musiciens indiens tels que U. Srinivas, V. Selvaganesh, Shivkumar Sharma et Hariprasad Chaurasia.
Saturday Night in Bombay est une rencontre au sommet. Sur "Luki", le premier thème, le chanteur Shankar Mahadevan suit de la voix les accents de la guitare et de la mandoline en une frénésie rythmique incroyable. Sur le plus long "Giriraj Sudha", écrit par le Madrassi U.Shrinivas, les tablas se mêlent à la voix. "Shringar" est une méditation onirique de près d'une demi-heure où les cordes sensibles de la guitare déclinent en de longs motifs les incroyables dérivations du santour, ponctués avec délicatesse des tablas et du kanjeera.

Giovanni Mirabassi

L'Italie compte décidément nombre de musiciens de jazz de premier plan. On peut notamment citer les trompettistes Enrico Rava, Flavio Boltro et Paolo Fresu, et les pianistes Enrico Pieranunzi et Giovanni Mirabassi. Ce dernier, après Architectures enregistré en trio en 1998, l'excellent Avanti! consacré aux chants révolutionnaires, Air avec Flavio Boltro et Glenn Ferris (2003), vient de publier Cantopiano, consacré cette fois au patrimoine de la chanson française. Il reprend ici des chansons de Dalida, Nougaro et Brassens et aussi des chansons de chanteurs de sa génération comme Agnès Bilh ou Jeanne Cheral. Le style élégant et lyrique de Mirabassi est reconnaissable entre mille, un jeu délié, une main droite extrêmement fluide, un swing subtil évoquant parfois Bill Evans. Un très beau disque.

Enrico Pieranunzi

Né en 1949, Enrico Pieranunzi est reconnu par ses pairs comme l'un des meilleurs pianistes mondiaux. Influencé à ses débuts par Bill Evans et McCoy Tyner, il a acquis un style bien personnel depuis son premier disque Jazz a confronto avec Bruno Tommaso (1975). Parisian Portraits (1990) le présente en solo. En 1993 il forme un trio avec Marc Johnson et Paul Motian. Ce trio enregistrera Untold Story (1993), un magnifique The Night Gone By (1996) avec un délicat Canzone di Nausicaa, puis Ballads (2005).

Dans Doorways (2004), Chris Potter remplace le bassiste dans le trio avec Paul Motian.

Le pianiste joue également en trio avec Charlie Haden et Paul Motian. Special Encounter (2005) présente des standards mais également des compositions originales d'Enrico Pieranunzi ou de Charlie Haden. Ce disque baigne dans une atmosphère unique, lyrique, d'une grande poésie. Le contrebassiste et le batteur font plus qu'accompagner le pianiste dans une parfaite symbiose.

A ne pas manquer, le concert enregistré au Duc des Lombards en avril 2001 (double CD Live in Paris). Entouré de Hein van de Geyn et Dédé Ceccarelli, Pieranunzi fait une véritable démonstration de jeu à trois temps notamment dans Footprints, Hindsight, Someday My Prince Will Come et une merveilleuse composition : Una Piccola Chiave Dorata où alternent le 3/4 binaire et le 3/4 ternaire. Egalement, sur le CD2, un excellent One Lone Star. Du grand art.

A signaler également Bill Evans, portrait de l'artiste au piano,l'excellent ouvrage consacré par Enrico Pieranunzi à son inspirateur.
Editions Rouge profond.

Jan Garbarek

C’est d'un excellent musicien, cependant controversé dans le milieu du jazz, qu'il va être question ici : Jan Garbarek, saxophoniste (ténor et soprano) de jazz norvégien né en 1947.

Il commence à enregistrer au début des années 70 pour le label allemand ECM, basé à Münich, mais dont le célèbre studio d'enregistrement se situe à Oslo. Il fait alors partie de l'avant garde scandinave aux côtés notamment du pianiste Bobo Stenson, du guitariste Terje Rypdal, des batteurs Edward Vesala et Jon Christensen, du bassiste Arild Andersen... Sa carrière prend un tournant décisif quand il rencontre Keith Jarrett, qui l'intègre dans son quartet dit « européen », avec Jon Christensen et Palle Danielsson. Cette expérience lui permettra d'obtenir une reconnaissance internationale et de mener une carrière en leader très suivie et appréciée bien au delà des frontières de la Norvège.

Jan Garbarek multiplie ensuite les collaborations avec des musiciens de jazz de renommée internationale comme John Taylor, John Abercrombie, Bill Frisell, Miroslav Vitous, Ralph Towner, Bill Connors... avec lesquels il développe une esthétique très particulière. Loin des fureurs électriques et virtuoses de l'époque, ses formations (essentiellement en quartet) produisent une sonorité légère et aérée, très axée sur la mélodie, le silence et la respiration. Ce côté aérien est renforcé par un son de saxophone caractéristique, notamment obtenu par un fort effet de réverbération, au ténor comme au soprano, ses instruments de prédilection. Son jeu « éthéré » vaudra parfois à sa musique le qualificatif (un peu méprisant) de "New Age Music".

À partir de la fin des années 1980, il forme un groupe régulier avec Rainer Brüninghaus, Eberhard Weber, Manu Katché et Marylin Mazur, communément appelé le Jan Garbarek Group. Il se tourne également vers la musique du monde. Il rencontre notamment Anouar Brahem, Zakir Hussain, Mari Boine, Ustad Fateh Ali Khan.

Dans ce disque, les chansons et les musiques forment une unité qui est elle-même message. De ce fait, on y trouve plusieurs niveaux de lecture, qui permettront aux âmes poétiques de lire entre les lignes, aux musiciens d’entendre entre les notes et d’identifier les connexions entre les chansons, sans laisser de côté le public le moins averti, qui sera touché par les mélodies et par la variété des styles, de la ballade à la musique tribale !

En 1993, il collabore avec l'Ensemble Hilliard spécialisé dans le chant grégorien pour créer l'album Officium qui remporte un succès inattendu. Expérience réitérée depuis avec l'album Mnemosyne en 1999.

Garbarek,c'est un son clair de sax soprano ou ténor, c'est surtout une transparence, une sonorité aérienne évoquant les grands espaces, et un lyrisme contenu. Si sa sonorité n'est pas éloignée de celle de Michael Brecker, son lyrisme limpide, sorte d'équivalent boréal à l'expressionnisme torride d'un Gato Barbieri crée une musique à la fois sauvage et glacée, tendue et retenue. Il y a du feu sous sa glace !

ESOTERIC CIRCLE (1969)
Freedom FR 11010 (FLP 41031)
Les débuts discographiques de Jan Garbarek. Si sa personnalité s’affirmera par la suite (on sent ici les influences de Gato Barbieri, Albert Ayler et Sonny Rollins), on peut déjà percevoir les belles qualités du saxophoniste : sens mélodique, sonorité…

AFRIC PEPPERBIRD (1970)
ECM 1007

SART (1971) ECM 1015 (Phonogram) Excellent disque, entre romantisme éthéré et expressionnisme dru

TRIPTYCON (1972) ECM 1029 Jan Garbarek pas encore dégagé de ses influences free (notamment Albert Ayler)

JAN GARBAREK/ART LANDE : RED LANTA (1973) ECM 1038 Les compositions d'Art Lande mettant ici à l’épreuve un Garbarek flûtiste, ahurissant de justesse dans la mise en place de longues mélodies aux envolées vertigineuses à la fin desquelles les musiciens se retrouvent au rendez-vous fixé par l’écriture. Garbarek s’y montre léger et subtil, le saxo basse gronde. le soprano chante avec le même bonheur que dans le disque en quartet. Entre jazz et classique, belle musique introspective. Peut-être reprochera-t-on à ce joli disque une certaine froideur...

WITCHI-TAI-TO (1973) ECM 833 330-2 Jan Garbarek, qui s'était un peu contraint à jouer une musique linéaire avec Art Lande, donne ici plus libre cours à son lyrisme qui, quoique contrôlé, est assez coltranien et même barbierien. Dans des compositions moins “ planantes ” qu’à son ordinaire - des thèmes signés entre autres par Carla Bley, Don Cherry et Jim Pepper, le jeu de Garbarek est plus intense que dans ses disques précédents (voir en particulierDesireless). C'est probablement le disque où il "se lâche" le plus. Sa sonorité au soprano étonne : proche du hautbois, mais aussi d'instruments folkloriques plus simples.  Bobo Stenson se montre, en adepte de McCoy Tyner et de Jarrett, un accompagnateur attentif. L’accompagnement racé qu’il délivre avec Palle Danielsson et Jon Christensen est en tout point digne d'éloges.

DANSERE (1975) ECM 1075 / 829 193-2 Excellent disque, dans un style qui se situe entre Sonny Rollins, John Coltrane et Gato Barbieri avec un lyrisme prestigieusement maîtrisé et un son d'une belle densité.

DIS (1976) ECM 1093 Un disque assez surprenant, avec dans trois morceaux une harpe à vent. Jan Garbarek, accompagné par la guitare classique et 12 cordes de Ralph Towner, délivre une belle musique dépouillée et inquiétante.

PLACES (1977) ECM 1118 Musique déchirée et déchirante distillée au goutte à goutte, chargée d’une forte intensité dramatique. Climats parfois livides, éclairés par la sonorité superbe, implorante, intense mais froide, du saxophone. Musique d’une sereine beauté à l’angoisse sous-jacente mais riche aussi d’une émotion sans aucune trace de morbidité : musique ambiguë, énigmatique John Taylor, à l’orgue, tisse de grandes nappes denses, DeJohnette, fin, subtil, découpe ses figures rythmiques avec imprévisibilité et énergie. Bill Connors assure, à mi-chemin entre Abercrombie et Towner  L’absence de basse créé un climat particulier.

PHOTO WITH BLUE SKY WHITE CLOUD... (1978) ECM 1135 (Phonogram)

JAN GARBAREK/ KJELL JOHNSEN : AFTENLAND (1979) ECM 1169 (Phonogram) Un chant funèbre, lourd et sombre, qui s’étire pendant trois-quarts d'heure sur un tempo languissant et presque morbide. Cette fois, les montées déchirantes du saxophone dans le suraigu, son souffle glacial apparaissent un peu comme des clichés. Par moments seulement, le rapport entre les deux musiciens atteint une réelle intensité, et la sonorité du saxophone est alors envoûtante et mystérieuse, moins agressive que de coutume.

EVENTYR (1980)

PATHS, PRINTS (1981)

WAYFARER (1983)

IT'S OK TO LISTEN TO THE GRAY VOICE (1984) ECM 1294 Lyrisme tour à tour tranquille et exacerbé, manquant toutefois quelque peu de consistance et de profondeur. A noter la cohésion du groupe, avec notamment l’excellent Eberhard Weber.

ALL THOSE BORN WITH WINGS (1986) A mon avis, pas l’un des meilleurs disques de Garbarek.

LEGEND OF THE SEVEN DREAMS (1988) ECM 837 344-2 Méditation autour d'une vieille légende lapone, “ Legend Of The Seven Dreams ” s’apparente à la “ new age music ”. Cette musique planante revisitée par les soins d'excellents musiciens (Nana Vasconcelos, Eberhard Weber) évoque les grands espaces et contribue au voyage de l'esprit.

I TOOK UP THE RUNES (1990) ECM 1419 - 843 850-2 Jan Garbarek a pris les pierres runiques des anciens autochtones du grand nord européen pour sources d’inspiration. Le résultat est éclatant d’universalité : la musique est sans frontières, son passeur est norvégien, il se nomme Jan Garbarek.

RAGAS AND SAGAS (1990) Rencontre étonnante entre Garbarek et la musique pakistanaise (le chanteur Ustad Fateh Ali Khan). Et ça marche

STAR (Miroslav Vitous) (1991) ECM 1444 Il y a comme un hiatus fécond entre l'évanescence de Garbarek, la rigueur, la sobriété, l'efficacité d'Erskine, l'épaisseur et la rondeur de Vitous, délivrant son instrument des contraintes rythmiques pour souvent doubler la voix mélodique, ou pulsant d'un swing discret une musique parfois alanguie. Garbarek fond ici sa voix dans le collectif pour un vrai disque de trio. Certains trouveront le climat un peu monocorde, sans relief, et sans chaleur...

MADAR (1992) ECM 1515 / 519 075-2 La rencontre du saxophone de Garbarek avec le luth arabe d’Anouar Brahem donne lieu à un des meilleurs disques du saxophoniste : un éclatement de finesse. Jan Garbarek, Anouar Brahem et Shaukat Hussain tissent ensemble un tapis de sons intimistes où le silence a sa place, où les fils se dénouent, se distendent puis se rejoignent de nouveau. Ces musiciens savent s'écouter et se répondre avant de s'assembler. Nulle profusion dans leur musique, mais un grand dépouillement. Au ténor ou au soprano, Garbarek emprunte à l'Orient son lyrisme. L'oud (luth) de Brahem se teinte de syncopes jazzy ou de vélocité évoquant le flamenco. Le tabla de Ustad Shaukat Hussain complète magnifiquement la douceur veloutée de l'oud et du sax. Superbe !

TWELVE MOONS (1992) ECM 1500 / 519 500-2 Retour de Garbarek à une musique plus habituelle, un excellent disque.

OFFICIUM (1993) ECM 1500 / 519 500-2 La rencontre du chant grégorien et du saxophone : magnifique !

VISIBLE WORLD (1995) ECM 1585 529086-2 Comme d’habitude, ce disque suscitera la controverse ; course à l’objet sonore idéal, lisse et poli à souhait, ou musique subtile et troublante ? World music sans racine ou vraie rencontre entre le génie du jazz et la richesse intelligemment conjuguée de traditions puisées aux quatre coins du monde ?

RITES (1998) CD ECM 1685/86 - 559 006-2 Dès la première plage (Rites), des chants d'oiseaux et bruits de village captés en Inde insufflent leur vie à l'atmosphère onirique tissée par les synthétiseurs et le soprano, tandis que sourd une pulsation étrange et pénétrante (une sorte de techno, dans son plus noble traitement). Claviers (Rainer Brüninghaus, Bugge Wesseltoft), basse (Eberhard Weber) et percussions (Marilyn Mazur) créent, en osmose avec le saxophone, une texture organique ou, au contraire, un flamboiement d'ombres et de lumières. La sobre reprise de Malinye rend hommage au compositeur de cette pièce, Don Cherry, qui fut, pour tant de mélomanes, un humble et mémorable initiateur - il suscita en Garbarek le désir d'explorer le folk norvégien.

MNEMOSYNE  (1998) ECM 1500 / 519 500-2 Quatre ans après Officium, Garbarek retrouve le Hilliard. Cette fois, le répertoire ne se limite plus au chant grégorien puisqu'on y trouve un chant antique grec ou une berceuse estonienne de Veljo Tormis.

RARUM Une rétrospective de sa carrière depuis Triptycon jusqu'à Visible World

IN PRAISE OF DREAMS (2004) CD ECM 1880 Avec le violoniste Kim Kashkashian et le batteur Manu Katché.

Jan Garbarek a également participé aux disques suivants:
 

Terje Rypdal, 1971 (Terje Rypdal)
Belonging, 1974 (Keith Jarrett)
Luminessence, 1974 (Keith Jarrett)
Solstice, 1974 (Ralph Towner)
Arbour Zena, 1975 (Keith Jarrett)
Sound and Shadows, 1977 (Ralph Towner)
My Song, 1977 (Keith Jarrett)
Deer Wan, 1977 (Kenny Wheeler)
Sol Do Meio Dia, 1977 (Egberto Gismonti)
December Poems, 1977 (Gary Peacock)
Of Mist And Melting, 1977 (Bill Connors)
Personal Mountains, 1979 (Keith Jarrett)
Nude Ants, 1979 (Keith Jarrett)
Voice from the Past - Paradigm, 1981 (Gary Peacock)
Cycles, 1981 (David Darling)
Vision, 1983 (Shankar)
Song For Everyone, 1984 (Shankar)
Chorus, 1984 (Eberhard Weber)
Making Music, 1986 (Zakir Hussain)
Guamba, 1987 (Gary Peacock)
Rosenfole, 1988 (Agnes Buen Garnas)
Music For Films, 1990 (Eleni Karaindrou)
Alpstein, 1990 (Paul Giger)
Star, 1991 (Miroslav Vitous)
Atmos, 1992 (Miroslav Vitous)
Small Labyrinths, 1994 (Marylin Mazur)
Caris Mere, 1995 (Giya Kancheli)
Agram, 1996 (Lena Willemark & Ale Müller)
Universal Syncopations, 2003 (Miroslav Vitous)
Neighbourhood, 2005 (Manu Katché)

Comme on le voit, une palette très étendue. Avec Keith Jarrett :Keith Jarrett enregistra plusieurs albums pour ECM avec cette formation.

Belonging

Cette première séance du pianiste avec Jan Garbarek, Palle Danielson et Jon Christensen est très réussie. Le disque n'a pas vieilli (contrairement à "Nude Ants"), sans doute grâce à l'intelligence, la beauté du matériel thématique, exclusivement des compositions de Jarrett, souvent modales, et au jeu lumineux de ce dernier. Le lyrisme du pianiste s'allie à la sonorité de Garbarek, qui au ténor, à mi-chemin entre Rollins et Barbieri, fournit un chant plein et généreux (Blossom, Belonging, Solstice), aux longues phrases flexibles. Remarquable accompagnement du tandem scandinave

My Song (1978) montre encore l'excellence de Garbarek, dont les longues plaintes angoissées apportent aux mélodies du pianiste un lyrisme nouveau. A cet égard, l'exposé du morceau qui donne son titre à l'album mérite à lui seul l'acquisition du disque: le soprano recourbé du Norvégien y fait merveille. L'autre raison pour laquelle ce disque est excellent, c'est que Jarrett s'y révèle à l'écoute de ses partenaires. Il maîtrise ici sa forte personnalité et permet à sa musique de s'imprégner de leur influence. Ses propres mélodies en ressortent magnifiées.  On trouve aussi deux enregistrements de concerts du quartet en 1979 : Personal Mountains tout d'abord. Le groupe est parfaitement soudé, Jarrett et Garbarek, infiniment complices. Le discours est ici riche et varié. Au foisonnement percussif, aux stridences du saxophone vient répondre l'admirable phrasé du piano, le lyrisme expressif du même Garbarek dans les mouvements lents. Le résultat est impressionnant, à la fois par la brillance des thèmes et la haute qualité de leur interprétation, qui laisse en outre parfois la place à d'excitantes improvisations (Oasis, lnnocence).
Nude Ants, enregistré en public au village Vanguard de New York en 1979, est nettement moins bon. Chaque titre paraît fondé sur une seule idée directrice, ce qui peut donner le meilleur (New Dance, Sunshine Song) comme le pire (Oasis : trente minutes d'ennui).

Luminessence

Après Belonging, Keith Jarrett compose une œuvre ambitieuse, au service du saxophoniste, qui pleure et rugit avec une sûreté et, une puissance extraordinaires et une parfaite maîtrise de ses moyens. Magnifique passage majeur/mineur dans Numidor.

Arbour Zena (1975) est un travail pour ensemble à cordes, qui peut évoquer par moments Grieg, Bartok ou Berg, avec le saxophone de Jan Garbarek et la contrebasse de Charlie Haden. Beau disque, notamment les deux premières suite (Runes et Solara March) où la basse de Charlie Haden fait merveille.

Avec Ralph Towner :


Avec Egberto Gismonti :

En 1977, Garbarek collabore avec le guitariste et pianiste Egberto Gismonti pour Sol do Meio Dia, puis en 1979 ils enregistrent Folk Songs en trio avec Charlie Haden.

Avec Shankar et Zakir Hussain :

Garbarek enregistre tout d'abord en 1983 Vision avec Shankar, puis Song For Everyone l'année suivante. En 1986 il retrouve Zakir Hussain avec qui il enregistre Making Music.

 Gato Barbieri

Crédit photo : Jacky Lepage

Le saxophoniste ténor argentin Leandro « Gato » Barbieri est né à Rosario le 28 novembre 1934. Fils d'un charpentier, violoniste amateur, il découvre le ténor auprès d'un oncle saxophoniste puis le jazz en écoutant Charlie Parker en 1944. Il débute sur le requinto (petite clarinette). Cinq ans de cours particuliers de clarinette à Buenos Aires, mais il aborde également le saxophone alto et la composition.

Il joue dans l'orchestre de Lalo Schifrin en 1953 et choisit le ténor en 1955. En 1962, après quelques mois au Brésil, il s'installe à Rome et se fait vite connaître comme sideman (avec Jim Hall, Ted Curson). II rencontre à Paris, en 1965, Don Cherry et le suit à New York pour enregistrer chez Blue Note « Complete communion » et en 1966 « Symphony for improvisers ». Entretemps, à Milan, il participe aux Nuovi Sentimenti de Giorgio Gaslini.
En 1967, il enregistre ses deux premiers disques sous son nom ("In search of the mystery" et « Obsession »). Le public international le découvre alors que son jeu est encore très influencé par les sonorités puissantes et déchirées de John Coltrane et Pharoah Sanders. Ses duos avec Dollar Brand (1968) impriment à sa musique un tournant décisif en direction de ses origines sud-américaines et, plus largement, des musiques du tiers monde.

Il participe en 1971 à la suite « A genuine Tong Funeral » écrite pour Gary Burton par Carla Bley et collabore avec celle-ci pour « Escalator over the hill » et « Tropic appetites », et avec le Liberation Orchestra de Charlie Haden.

Il opère au tournant des années 70 une authentique révolution esthétique en recherchant ses racines latino-américaines.

Le lyrisme flamboyant de son phrasé accidenté, sa sonorité rauque, mouvementée, reconnaissable entre mille, cherche la fusion entre free jazz et traditions populaires.

Fenix et Under Fire comptent parmi les joyaux de cette période entre jazz et tiers-monde. Alors que son triomphe au Festival de Montreux ("El pampero") et sa contribution à la bande-son du film « Le Dernier tango à Paris » de Bernardo Bertolucci sous la direction d'Oliver Nelson le rendent de plus en plus populaire, il accentue, à partir de 1973, la référence à ses racines en s'entourant de musiciens sud-américains, notamment dans la série « Chapter one » à « Chapter four » pour Impulse. Il s’éloigne quelque peu du jazz. Puis au milieu des années 70, son jeu devient plus doux et s’accorde parfaitement avec les ballades qu’il popularise alors : "What a Difference a Day Makes" (un standard que Barbieri interprète depuis toujours dans sa forme originale de bolero "Cuando Vuelva a tu Lado") et "Europa" de Carlos Santana. Sa production pour A & M notamment, devient de plus en plus commerciale, très marquée par le pop-jazz, y compris le best-seller "Caliente !". En 1981, il revient à une musique plus influencée par le jazz-rock et l’Amérique du Sud avec le live "Gato ... Para los Amigos", sous la houlette du producteur Teo Macero.

Il reste inactif durant la première moitié des années 90 suite à de graves ennuis de santé et à la mort de sa femme Michelle. En 1997, il revient sur le devant de la scène avec le disque "Que Pasa" pour Columbia et sa prestation remarquée au Playboy Jazz Festival de Los Angeles. Son dernier disque à ce jour, The Shadow of the Cat, publié en 2002, permet de retrouver sa sonorité intacte. Il semble qu'il ait récemment perdu totalement l'usage de la vue suite à une maladie.

Tout à la fois styliste du timbre, qu'il malmène à outrance, et lyrique tenté par l'expressivité du cri et l'authenticité de la mélodie, hésitant entre la véhémence et le plaisir, l'illisibilité et la limpidité, il a su fonder son propre équilibre sur un enracinement dans une tradition populaire. Tout comme Dollar Brand ou Chris McGregor, il a montré l'histoire de la musique noire américaine en exemple aux musiques populaires du tiers-monde...

Selon mes dernières informations, Gato aurait perdu la vue.

Les disques :

IN SEARCH OF THE MYSTERY (1967)

Premier disque enregistré sous son nom, en 1967, à New York, par le grand saxophoniste ténor argentin, In Search of the mystery le montre déjà en possession de tout son matériel musical. Il marque une période de transition pour Gato, puisqu’il a été enregistré après sa rencontre avec Phaoah Sanders (qui va l’influencer profondément), et avant celle, décisive, du cinéaste Glauber Rocha.. Pour l’instant, Barbieri se cherche encore dans les méandres de l’avant-garde new-yorkaise.

OBSESSION

« Obsession » est un document inédit En 1967, Gato possède depuis quelques années déjà un langage propre : il l'a prouvé, quelques temps plus tôt, en illustrant de façon magistrale les conceptions si personnelles de Don Cherry. Encore sous l’influence de Coltrane, il est cependant encore incapable d'organiser son discours pour l'illustration d'un univers personnel. Dans Michelle, la plus latine de ces trois plages, on sent poindre par endroits le Barbieri des jours heureux et des réussites exemplaires.

HAMBA KHALE (1968)

Un disque de Dollar Brand qui serait le disque-clé de Barbieri, tant il nous apporte une explication juste de l’attitude du saxophoniste argentin. Ce disque marque la transition entre « Complete Communion » et « The Third World ». Free Jazman impliqué dans le mouvement new-yorkais, collaborateur actif de grands noms de la new thing, Barbieri découvre ici, au contact d’un Dollar Brand à l’art déjà achevé et déterminé, la nécessité d’un cheminement parallèle à celui qu’il a pour l’instant emprunté dans la musique afro-américaine. Celle-ci lui a fourni les moyens et le terrain d’expression ; Dollar Brand, lui renvoyant sa propre image, pousse Barbieri à une prise de conscience. Tous les éléments de son art futur se trouvent ici condensés avec une authenticité naturelle surprenante. Dans The Aloe And The Wild Rose, Barbieri a tout dit, le reste ne sera que développemement à l’infini des formules mises au point dans ce disque. Un album-manifeste.

THE THIRD WORLD (1969) “ La beauté sera convulsive ou ne sera pas ”, voilà ce qui vient à l’esprit à l’écoute de ce disque magnifique et INDISPENSABLE. Une chanson de berger argentin, un tango d'Astor Piazolla, un Zelao, une composition de Barbieri, Antonio Das Mortes, en hommage au cinéaste Glauber Rocha, et enfin un extrait des Bachianas Brasileiras de Villa-Lobos suivi par un chant africain de Dollar Brand ; le tiers-monde est bien au centre de ce CD. Premiére fusion, chez le saxophoniste, entre le jazz d'avant-garde côtoyé en Europe et à New-York et les musiques de l'Amérique du Sud et d'Afrique. Loin de toute perfection formelle, la musique devient progressivement hurlement, entre désespoir et jubilation.

Oreilles délicates s'abstenir. Mais au-delà de la rugosité, que de passion et d’ivresse non encore récupérées ! Il faut noter également la qualité des accompagnateurs : le batteur Beaver Harris, compagnon d'Archie Shepp et Pharoah Sanders, Charlie Haden, le tromboniste Roswell Rudd (écouter son remarquable contrechant sur Antonio des Mortes) et le pianiste Lonnie Liston Smith.
Sans réduire ce disque à son contexte politico-historique, il faut se remémorer le contexte de l’époque pour bien saisir l'originalité de Gato Barbieri. Pendant que les jazzmen noirs américains (John Coltrane, Yusef Lateef, Pharoah Sanders, etc.), par engagement politique ou ouverture d'esprit, ont enrichi leur syntaxe au contact d'autres univers, africain, moyen et extrême-oriental, la culture sud-américaine s'est métamorphosée grâce aux compositions lyriques de Gato Barbieri, sous les coups de boutoir de ses improvisations sauvages et rauques, de son timbre éraillé et paroxystique à nul autre pareil (le seul auquel on puisse le comparer est sans doute celui de Pharoah Sanders).

FENIX (1972) L'affirmation de son identité d'homme du Tiers-monde à travers le dur apprentissage du jazzman éclate dans Fenix, enregistré en 1971 en compagnie de musiciens américains du Nord et du Sud. réunis avec bonheur, notamment le Brésilien Nana Vasconcelos et les New-Yorkais Ron Carter et Lonnie Liston Smith. Disque charnière. avant que Barbieri ne s'enfonce plus profondément dans sa latinité. Puissance du tempo, du driving, de la charge émotionnelle d'un ténor au lyrisme incandescent. Vertigineuse accélération rythmique lancée à brûle-pourpoint sur des envolées déchirantes. Compositions originales et arrangements de chansons traditionnelles serviront dorénavant de tremplin à une écriture lucide et rougeoyante, toujours changeante, sensible aux micro-variations du feeling.

EL PAMPERO (1971)

Une "merveilleuse orgie sonore", pour reprendre les termes de Laurent Goddet, auteur des notes de pochette de la première édition française de ce disque, au milieu des années 70 : à lire les témoignages de ceux qui assistèrent, jusqu’aux petites heures (4h du matin, exactement), à ce concert au festival de Montreux 71 dans le cadre d’une soirée spéciale consacrée au label Flying Dutchman (à laquelle participa le big band d’Oliver Nelson), l’événement fut marquant.

Et l’on est tout à fait disposés à les croire, vu le feu qui semble jaillir de ces quatre morceaux saisissants dans lesquels Gato Barbieri pousse son jeu à un point de beauté et de force inouïs.

La magie de ce concert est d’autant plus remarquable qu’elle doit, pour beaucoup, au hasard et à une heureuse conjonction d’individualités : seuls le pianiste Lonnie Liston Smith et Nana Vasconcelos ayant suivi Barbieri dans son déplacement européen, celui-ci dut faire appel à Bernard Purdie (batterie) et Chuck Rainey (basse électrique), arrivés à Montreux avec la chanteuse Aretha Franklin. La cohérence et l’homogénéité de cette formation inédite ne fait pourtant aucun doute, et permettent au saxophoniste argentin, sur des rythmiques aux frontières du jazz funk, de littéralement déchirer la nuit. Le cri se fait primal, l’énergie vitale, l’air électrique et la chaleur incandescente : une véritable fête, en somme, dont on sort abasourdi et légèrement désorienté.

 D’abord une ballade, sur un thème répétitif, El Pampero, qui évoque les longues chevauchées dans la pampa argentine. Une introduction qui monte, qui monte... puis Gato, soutenu par la basse électrique et les percussions, s'envole, dérape, hurle magnifiquement. Une énergie incroyable. Puis, sur une suite de compositions écrites par des compatriotes, il évoque son pays. Un thème, d’abord (Mi Buenos Aires Querido), évoquant les divers aspects de sa ville, Buenos Aires. Déjà apparaissent ici certains éléments de la musique populaire d’Amérique du Sud. Dans Brasil, ils forment toute le trame sonore sur laquelle Gato improvise. La moitié des musiciens sont des percussionnistes, assurant un roulement continu qui nous rappelle que l’héritage africain est aussi vivant dans le continent du Sud que dans celui du Nord. Et pour finir, un El Arriero bourré d'énergie.
Une musique de fête chaleureusement impudique et gorgée de félicité. Absolument indispensable.
 
LIVE IN BUENOS AYRES 1971

Un disque confidentiel (pirate ?) faisant entendre Gato en Argentine en 1971.


LE DERNIER TANGO A PARIS (1972)

Pour accompagner la descente aux enfers de Brando dans le sulfureux Dernier tango à Paris de Bernardo Bertolucci, Gato Barbieri a imaginé un jazz orchestral fortement teinté de tango qui déplaira encore à coup sûr aux puristes. Difficile pourtant de ne pas craquer en écoutant les cordes bouleversantes...

Une réussite exemplaire que cette musique. Le saxophoniste traversait alors sa période la plus faste, celle de "Bolivia", dont on retrouve ici les éclairs fulgurants, les arrangements et les mosaïques de percussions, chants et cuivres. Réédition très soignée, agrémentée d'inédits, et livret (très riche) se dépliant en affiche du film.




UNDER FIRE (1972)

Pour moi, un des meilleurs disques de Gato Barbieri, en pleine possession de ses moyens, conciliant lyrisme et autorité, force et clarté.

Certains critiques ont néanmoins dit qu’il "se répètait jusqu’à l’exaspération"…

Dire de la musique de Barbieri qu'elle est accrocheuse, ou même vulgaire, c'est faire un énorme contresens sur son mode de fonctionnement, c'est voir des concessions là ou il n'y a qu'authenticité d'une recherche passionnément vécue. Gato veut retrouver les voies qui mènent à une expression authentiquement populaire :il joue, simplement, sur le chemin qu'il a choisi.





El Parana est une composition de Gato Barbieri. Stanley Clarke très en valeur, asseoit un tempo majestueux, tandis que le guitariste surgit ça et là en phrases brèves. Gato joue avec un lyrisme passionné et quelques cris de colère. Le pianiste a un jeu percutant très efficace et original.
Yo Le Canto A La Luna est une composition du grand guitariste et poète argentin Atahualpa Yupanqui. C'est une sorte de lamento impregné de cette nostalgie si particulière à toute la musique de l’Amérique du Sud. Stanley Clarke y est toujours aussi impérial. Gato, qui joue avec un coeur admirable, chante aussi avec un feeling intense. Il faut plusieurs écoutes pour réaliser tout ce que les percussionnistes y apportent d’invention et d'ingéniosité.
Antonico est dû à lsmael Silva; Abercrombie y joue de la guitare « classique » d'une manière typiquement « latine ». Gato fait véritablement chanter son saxophone et renforce l’impression de lyrisme par un re-recording trés sobre.
Maria Domingas de Jorge Ben commence comme une fiesta brésilienne. Puis Gato joue un solo tres méditatif, très intériorisé, introduit et accompagné par les riches arpéges de la guitare. Abercrombie joue alors un rythme typiquement brésilien, tout l’orchestre rentre avec fougue et le pianiste se déchaîne. Puis Gato joue avec une fureur concentrée, les percussions le portent, avec de véritables éclairs ici et là par Lonnie Liston Smith ; le tout s'achève par des cris qui s'espacent peu à peu dans le lointain.
El Sertao commence d’une façon particuliérement âpre et dramatique par tout l’orchestre, puis le saxophoniste développe encore le climat pathétique de la composition, psalmodiant sur son instrument un peu à la façon des flamenquistes. Lonnie Liston Smith est superbe au piano électrique. Gato rentre à nouveau avec intensité et le tout s'achève comme à regret, comme s’il y avait encore tant à dire sur l'âpreté, sur la misère du Sertao.

Dans ce disque c’est une partie de l’élite des drummers et percussionnistes que l’on entend : Roy Haynes, Airto Moreira, James M’Tume (fils du saxophoniste Jimmy Heath), Moulay Ali Hafid. Un contrebassiste et un guitariste parmi les meilleurs de l’époque : Stanley Clarke et John Abercrombie,. Il y a aussi Lonnie Liston Srnith, un des plus brillants, un des plus subtils pianistes de sa génération.

BOLIVIA (1973)

Enregistré à la même époque que Under Fire et avec les mêmes musiciens, Bolivia est peut-être légèrement moins bon, malgré de merveilleux moments comme Michellina, notamment ou Merceditas.


YESTERDAYS (1973/74)

Le dernier disque de Gato pour Flying Dutchman. On retrouve les mêmes procédés narratifs et le jeu toujours aussi incisif du saxophoniste, entouré cette fois de l'excellent pianiste George Dalto, du guitariste Paul Metzke, du contrebassiste Ron Carter et du batteur Pretty Purdie.

Après le choc créé par "The Third World" et "Fenix", après la fougue torrentielle d'"El Pampero" et la luxuriance de "Bolivia" et "Under Fire", force est de reconnaître que ce disque est un peu léger, témoignant d’un certain essouflement.de la formule. L'Argentin trouvera très vite le moyen de sortir de l'impasse avec le sublime "Latin America Chapter One", aux couleurs plus authentiques. Ici Gato ne nous apporte rien de neuf sur lui-même qu'il ne nous ait déjà (mieux) exposé.

EL GATO
RCA PL 13816 Ce disque, de même que celui paru chez Planet Jazz, reprend des morceaux déjà parus, à l’exception de El Gato d’Oliver Nelson, où Gato s’exprime avec la force qu’on lui connaît.

CHAPTER ONE : LATIN AMERICA

Si un disque comme Fenix marquait une rupture, là il ne s'agit que de la continuation d'un projet clair, l'écriture d'un nouveau chapitre de ce chant d'amour à l'Amérique Latine.

On sent à travers la plénitude du son de Barbieri au sax, ce refus de sa mise en avant. au profit d'une musique de groupe, que l'ex-free-jazzman a trouvé une joie de jouer fondamentale.

Son saxophone ténor se fait de plus en plus langoureux, chant lyrique hérité du tango sur une assise rythmique de samba, foisonnement de percussions, frénésie qui appelle inévitablement la danse.

Le son du saxophone à la sonorité chaude chavire, délire, s'enflamme, voix qui improvise un hymne à cette fête où fusent les cris, s'insinue une flute, apparaît soudain une guitare rapidement submergée par l'etuve des percussions. Entouré d’une importante formation de musiciens argentins, Barbieri est au top de sa forme tout au long de cette session torride, plus particulièrement sur les thèmes "Encuentros" et "India". Une mention particulère au dernier morceau, To be continued, où Gato présente un à un et successivement tous les instruments composant une école de samba, avant que son saxo ne pousse son cri qui lance Encontros.

THE SHADOW OF THE CAT
(2002)
A&M 985 041 / 394 597-2

Est-ce la nostalgie qui nous tient ? A l’écoute de The Shadow of the Cat, on retrouve par instants le Gato qu’on a tant aimé… Ambiances contrastées de “El Chico”, joli “Last Kiss,” avec la guitare acoustique de Peter White… Un disque qui se laisse écouter, sans plus

Charlie Haden

Le contrebassiste Charlie Haden, né le 6 août 1937 dans le Missouri, n'est peut-être pas un virtuose comme un Scott La Faro ou un Marc Johnson. Mais il a joué un rôle capital dans le jazz contemporain, notamment en accompagnant Ornette Coleman. En outre son jeu communique une émotion rare. en développant un style très libre. La contrebasse de Haden a un son solide, épais, un des plus riches de l'histoire du jazz. Rares sont ceux qui, comme Haden, parviennent à communiquer autant d'émotion. Au cours de sa longue carrière, il a collaboré avec de nombreux artistes. Mais c'est avec son "Liberation Music Orchestra" fondé en 1969 qu'il restera à coup sûr dans l'histoire.

A partir de chants révolutionnaires de la guerre d'Espagne, Haden compose une sorte de symphonie free en s'entourant de nombreux amis libertaires : Paul Motian, Gato Barbieri, Dewey Redman, Don Cherry et bien sûr Carla Bley, qui participe beaucoup à l'écriture et aux arrangements de l'album.

En 1982 paraît The Ballad of the Fallen, reformation du Liberation Music Orchestra. Loin d’être un pâle remake du premier disque, celui-ci est un requiem dédié aux victimes des guerres sud-américaines (Chili, Salvador) ainsi qu’aux martyrs de Franco. Les improvisations libres (principalement dues à Don Cherry et Dewey Redman) se font plus rares. Une oeuvre moins free, mais plus accessible et finalement plus aboutie que le premier.

Le troisième album, Dream Keeper, d’après un poème antiraciste de Langston Hughes, est un peu moins réussi, mais Sandino, magnifié par les arrangements de Carla Bley, est une merveille.

Le dernier album, Not in our Name, répond à la nécessité ressentie par Haden de dénoncer la politique de George Bush. Charlie Haden et Carla Bley ont organisé l'album autour des valeurs fondamentales de l'Amérique, celles qu'ils défendent contre toutes les récupérations - d'où les titres des deux premiers morceaux : Not in our Name et This is not America. Si cet album est en retrait par rapport aux précédents, il présente tout de même quelques excellents solos de Chris Cheek, Tony Malaby et Michael Rodriguez.

Discographie sélective :

Sous le nom de Charlie Haden

* Liberation music orchestra, 1969, Impulse !
* Duets, 1976, A&M
* The ballad of the fallen, 1983, ECM
* Always say goodbye, 1987, Verve
* Silence, 1987
* Etudes, 1987
* In Angel City (Quartet West), 1988
* The Montreal Tapes, 1989 (Liberation Music Orchestra)
* The Montreal Tapes, 1989 (avec Egberto Gismonti)
* The Montreal Tapes, 1989 (avec Joe Henderson et Al Foster)
* Dream Keeper, 1990 (Liberation Music Orchestra), Polydor
* Night and the City (avec Kenny Barron)
* American dreams, 2002 (avec Michael Brecker)
* Nightfall, 2004
* Land of the sun, 2004
* Not in our Name (Liberation Music Orchestra), 2005
* Heartplay, 2006

Sous le nom de Ornette Coleman

* Change of the century, 1959, Atlantic/Warner
* The Shape of jazz to come, 1959, Atlantic/Warner
* Song X, 1985, Geffen

Sous le nom de Old and New Dreams
* Old and new dreams, 1979, ECM

Sous le nom de Keith Jarrett
* Keith Jarrett, (1966-1971) collection Warner Jazz Les incontournables

Sous le nom de Haden-Garbarek-Gismonti :

* Folk songs,1979, ECM
* Magico, 1980 

Avec Pat Metheny :

* Beyond the Missouri sky, 1997 

Site : http://www.charliehadenmusic.com/

Un bel article de Francis Marmande sur Charlie Haden dans Le Monde du 31 mars 2010 :

La rigueur tellurique du contrebassiste Charlie Haden

Charlie Haden, contrebasse des Amériques, présent sur deux cent cinquante-quatre albums, de John Coltrane à Keith Jarrett - un album en duo, Jasmine, chez ECM, le 3 mai - en passant par Chet Baker, Archie Shepp ou Art Pepper, son premier mentor. Charlie Haden, auteur avec Carla Bley de la fantastique utopie musicale des années 1970, le Liberation Music Orchestra. Charlie Haden, compagnon des tout premiers quartets d'Ornette Coleman - alto pionnier du free jazz. Charlie Haden reprend la route avec son Quartet West, fondé en 1984, version 2010 : Ernie Watts (ténor), Alan Broadbant (piano) et Rodney Green (batterie). La formation passera par la France, au Grenoble Jazz Festival, le 2 avril.

Pas de contrebasse ? Mais si, justement, lui, Charlie Haden, ses lunettes lunaires d'adolescent abasourdi, son corps debout enveloppant l'instrument, souvent abrité sous une cage de Plexiglas pour protéger l'oreille, sept vies de musicien, un son inimitable. Un son de cathédrale, une lenteur, la sculpture de chaque note, des tics délicieux, cet amour aigu des graves, la soif de l'harmonie, une rigueur tellurique.

Eh quoi ? Il ne sait pas s'envoler, virevolter, monter et descendre le manche à la vitesse des formule 1 ? Revenons au Los Angeles des années 1950. Charlie Haden, petit Blanc parmi les Blancs, vient de quitter les ciels à peindre du Missouri pour suivre Miles Davis et John Coltrane de ville en ville. Il en est tétanisé. Il garde ce côté villageois de n'aimer que les villes et prend toujours sa place au premier rang. Il est âgé de 15 ans. Dans un club, un soir, il découvre, stupéfait, Ornette Coleman, saxophoniste alto novateur, qui en aura bien bavé avec ses idées d'avant-garde. Le voit se faire lourdement lourder par Gerry Mulligan, saxophoniste baryton de luxe. Inutile d'insister. Haden a toujours dit : "De toute façon, jamais je ne connaîtrai, de près ou de loin, ce qu'un Afro-Américain a enduré sur terre."

Haden a l'air gauche. Haden est de gauche. Haden philosophe croit la musique capable de changer le monde. Haden n'est pas idiot. Haden a connu les pénitenciers. Haden a fréquenté le "singe", l'héroïne, ce poison mortel qui donne des idées trop vives. Quand il voit Ornette Coleman au trottoir, son air si doux, si simplet, son cheveu sur la langue, son accent du Texas, Haden se présente. Quatre jours et quatre nuits, ils jouent ensemble.

Charlie Haden fait partie avec son alter ego Scott LaFaro du double quartette qui en 1960 enregistre avec Coleman, Eric Dolphy et Don Cherry l'album-manifeste, Free Jazz. Couverture, Jackson Pollock. Mesure-t-on l'acte ? Non ? Réception ? Un torrent de boue, force insultes scatos, inutile de trifouiller les archives, même en France, ce serait gênant.

Ce qui est passionnant, ce sont les deux parties de contrebasse liées comme des lianes, celle de Charlie, profonde, grave, lente, lourde. Celle de Scottie, ailée, aérienne, gracieuse comme un vol de planeur. Et vous savez quoi ? Ils se passent la main sur les quatre notes fixes du cordier, comme un don, un geste, une amitié. Ils habitaient alors ensemble. Scott LaFaro se tue dans un accident d'auto, à 24 ans. Le virtuose, c'est lui. Haden, grave, paysan, confiant dans la révolution, c'est l'autre. Or retenons ceci. Le soir, pour gagner 4 dollars et par amour de la musique, ils jouaient, l'un et l'autre qui s'aimaient tant, dans deux clubs différents. A la pause, c'est "Scottie", le véloce, qui sautait dans un taxi. Pour filer où, grands dieux ? Il filait au club où jouait "Charlie", juste pour l'apercevoir, le saisir, ne fût-ce qu'un quart d'heure.

Charles Edward "Charlie" Haden est né dans une tribu de musiciens tendance country de Shenandoah, Iowa, le 6 août 1937. Son frère joue la contrebasse : "A la maison, on ne faisait que de la musique. Mes parents chantaient dans le genre de la Carter Family ou des Delmore Brothers. Tous les gosses jouaient et chantaient." Lui, Little Charlie, à 22 mois, il fait ses débuts à la radio : "J'inventais les harmoniques sous ce que me chantait ma mère. On a eu une petite émission de radio. Uncle Carl, mon père et The Haden Family." C'est ce qu'il fait, il continue. Sous la mère.

Son Quartet West raconte des histoires de la Côte ouest. Des histoires simples, des chorus fondamentaux, une exactitude au cordeau. Comme diraient les musiciens, "ça joue terrible". D'accord, mais Charlie Haden, merveilleux compositeur et superbe sideman, ne transmettrait pas, n'aurait pas cet allant, ce charisme ? Allons !

Une nuit à la Mutualité (sono de hall de gare), avec Dewey Redman (ténor à pleurer que le public n'a jamais reconnu), Don Cherry (trompette de poche), Ed Blackwell à la batterie louisianaise, Haden prend un long chorus sur Lonely Woman, d'Ornette Coleman. Une houle est montée, un mouvement de fond, une vague d'applaudissements terrible, venue des ombres hugoliennes de l'océan. Envie de pleurer. Quelque chose finissait, mais quoi ? Ce soir, tous les bassistes de la terre jouent "mieux" que Charlie Haden. Sans doute, mais aucun aussi bien. Et de loin.
Grenoble Jazz Festival : MC2 Grand Théâtre, 4, rue Paul-Claudel, Grenoble. Tél. : 04-76-51-00-04. Christophe Monniot Trio, Jeanne Added et Yves Rousseau, Charlie Haden Quartet West, le 2 avril ; Yves Robert Trio, Stephan Oliva et François Raulin Quintet, Trio Paj, Little Red Suitcase, Maceo Parker, le 3. De 15 € à 25 €. Sur le Web : jazzgrenoble.com.

Francis Marmande

"Une ville la nuit"

Samedi 8 février 1997, la nuit tombe sur Los Angeles, 19° Celsius au thermomètre, 19 h 46 : "Hi, man ! J'habitais là. Regarde, j'habitais là, man, en 1956, avec Scottie." "Scottie", Scott LaFaro (1936-1961), et "Charlie" Haden (1937), les deux plus grands contrebassistes de l'ère nouvelle se sont connus à Los Angeles.

Charlie Haden conduit comme il joue. Tout en douceur, sans jamais rien forcer. Aux commandes de sa Volvo Wagon bronze métal, il décline son amour de la ville : "A l'école, je ne dessinais que des villes. On vivait à la campagne, à Springfield, Missouri, sous des ciels qui n'en finissaient pas. Et moi, je ne dessinais que des villes." Son prof sanglotait : "Dessine-moi une vache, Charlie, merde, un arbre, juste une fois. Alors, j'ai fait une ville la nuit, avec toutes les lumières."


Article paru dans l'édition du Monde du 01.04.10

André Jaume

voir sur la page "invités".

Stacey Kent

Une chanteuse de jazz moins médiatisée que Diana Krall mais pleine de talent : Stacey Kent.
Je l'ai découverte... sur RCFM, à l'occasion de quelques concerts qu'elle a donné en Corse en 2004.

Stacey capte l’attention de l’auditeur dès les premières notes. Sa technique vocale est parfaite, son chant tout en nuances.

Son mari, le saxophoniste britannique Jim Tomlinson, dont le dernier album, “The Lyric” (avec Stacey), a été primé meilleur album de 2006 aux Jazz Awards de la BBC, est également le producteur de son dernier album.

Discographie :

Close Your Eyes (1991)
Love Is... The Tender Trap (1998)
Let Yourself Go (1999)
Dreamsville (2001)
Brazilian Sketches (2001)
In Love Again (2002)
The Boy Next Door (2003)
Breakfast on the Morning Tram (2007)

Stacey chante également sur deux disques de son mari Jim Tomlinson : Only Trust Your Heart (1999) et The Lyric (2006)

J’ai découvert Laïka Fatien par hasard, sur la chaîne musicale Mezzo. J’ai immédiatement arrêté ce que j’étais en train de faire, subjugué par la force de son interprétation. Et j’ai découvert ses deux disques, Look at me now ! et tout récemment Misery.

Née d’un père ivoirien et d’une mère hispano-marocaine à Paris en 1968, Laïka Fatien se fait connaître en chantant avec le big band de Claude Bolling. Elle collabore également avec Sixun, Julien Lourau, Steve Williams, Antoine Roney, Michael Bowie, David El Malek, Richard Galliano, Robert Glasper, Gregory Hutchinson, Peter Martin, Daryl Hall, Vince Benedetti...

Elle également au théâtre et participe à "A Drum is a Woman". Elle mène ainsi une double carrière de musicienne et d'actrice.
 

Elle enregistre un premier album de vocaliste, Look at me now ! Un album très varié, dans lequel on remarque notamment le ténor David El-Malek et le pianiste Pierre de Bethmann. Une adaptation déchirante de la ballade d’Abbey Lincoln "Throw it Away", une reprise ralentie d’"Eleanor Rigby" des Beatles, un "Inchworm" candide et une version de  "The Best Is Yet To Come" très différente de celle de Stacey Kent..

Cet album, à la fois audacieux, maîtrisé et respectueux des traditions, est une grande réussite du jazz vocal  contemporain… Le Point

Quatre ans après, voici « Misery », hommage à Billie Holiday, enregistré en février 2008 à Paris.
Outre une sélection très personnelle de chansons et des arrangements très originaux, la voix de Laïka nous envoûte par sa sensualité, son ampleur, son sens du texte et de la musique.

Enfin une interprète qui ose et réussit le difficile pari de chanter Billie Holiday ! Laïka Fatien n’essaie pas de copier Billie, elle en livre une interprétation personnelle et convaincante, explorant tous les registres et les timbres de sa voix. Magistral.

A la frontière entre jazz, flamenco et tango, le bassiste Renaud Garcia-Fons propose La Linea del Sur, enregistré en 2008. "Un Sud imaginaire qui réunirait de multiples racines musicales, ayant en commun la recherche d'un chant profond". Un disque porté par l'accordéon de David Venitucci, la guitare de Kiko Ruiz, la grande voix du flamenco Esperanza Fernandez (sur trois titres) et la technique étonnante de Garcia-Fons à la contrebasse à cinq cordes, qui sonne parfois comme un violoncelle.

Française émigrée au Canada, Caroline Nadeau est une des rares chanteuses de jazz chantant en français.

Après Autour de minuit, son premier album, Caroline a présenté son spectacle éponyme dans plusieurs grands événements musicaux, dont le Festival International de Jazz de Montréal, l’Edmundston Jazz & Blues Festival et le Sasktel Saskatchewan Jazz Festival.

Son deuxième album, Si fragile, est sorti en 2007. Dans ce nouvel album entièrement en français, les mots de Brel, Rivard et De Larochellière flirtent agréablement avec les notes de Coltrane, Jobim et Gershwin. Pour cet album, Caroline s’est entourée d’une équipe de musiciens talentueux et expérimentés : Julie Lamontagne au piano et à la réalisation, John Roney au piano, Jean Boutin au saxophone ténor et à la flûte, François Marion à la contrebasse, et Jim Doxas à la batterie.

Melody Gardot

La canne tient l'équilibre. Depuis l'accident, les verres la protègent d'une hypersensibilité au soleil qu'elle aime si violemment. Sur son lit de douleur, elle enregistrait de petites chansons. Un copain en balance une sur Internet, succès mondial. Melody Gardot s'en irrite, mais en profite pour s'entourer. Vince Mendoza, grand arrangeur de Los Angeles, orchestre son nouvel album, paru fin avril, My One and Only Thrill (Verve/Universal Music) : "Je voulais quelqu'un de la stature de Gil Evans. Il a disparu, malheureusement. Vince Mendoza est très éclectique, très sensible, il laisse venir la musique." Et ces onomatopées qu'on assimile au scat ? "Non, je me sers de la langue des bébés, la langue d'avant le langage."

"J'AI BESOIN DE ME TESTER"

En scène, fascinante de précision et de look (lunettes noires, crinière, canne, talons aiguilles, rouge baiser), elle commence par une chanson a cappella : "Je n'en fais pas une règle, mais souvent, j'ai besoin de me lancer ainsi : c'est pour me tester, tester le public et le lieu. J'attaque avec un spiritual, No More My Lord, qu'Alan Lomax, l'ethnomusicologue, avait fait enregistrer par une femme en prison. Je me retrouve seule, nue, et je vois loin, comme un marin met au point sa longue-vue." Geste à l'appui.

Ce n'est pas du jazz, mais si le jazz d'aujourd'hui atteignait ce feeling tous les soirs, on n'en serait pas là. Depuis Berlin en mai 2008, où nous l'avions vue, pas mal de détails ont changé : "Je n'ai plus besoin de me battre avec mon corps. Ma voix ne me fait plus souffrir, et mes oreilles entendent davantage : plus de cordes, plus de tubas, plus de trombone."

En dehors du jazz, de Radiohead, et de la musique brésilienne, qu'aime-t-elle ? "Le tango. C'est une merveille. Je souffre de vertige cinétique. Voilà pourquoi, en scène, je m'agrippe au micro. Plus la canne. Mais dans le tango, vous voyez, quand vous vous tenez comme ça, allez, vous poussez votre partenaire, de sorte que, même si je sens le vertige arriver, sa main ferme dans mon dos fait que je ne tombe pas. Alors, je peux danser..." Expérience faite. Sur l'album, on l'entend rire. Dans la vie, aussi.

Melody Gardot à l'Alhambra, 21, rue Yves-Toudic, Paris-10^e. M° République. Le 13 mai à 20 heures. Tél. : 01-40-20-40-25. 34 €.

LE JAZZ EN CORSE

Ils sont vraiment étonnants, ces Calvais ! Un disque hors normes que ce Riturnelle: les refrains corses de Toni Toga, Antoine Ciosi, les frères Vincenti... chantés par cinq Calvais dingues de jazz. Calvi Voce est composé de Antoinette d’Angeli (Isulatine), Sébastien Lafarge-Nicolai (L'Alba), Jean-Noël Guglielmacci, Brigitte Tomasso-Nicolai et Jessie Lafarge-Nicolai, accompagnés par des "pointures" telles que Marc Bertaux, Zool Fleischer, Umberto Pagnini... Arrangements : Dédé Tomasso. Avec sur Nuages, chanté par Antoinette... Didier Lockwood au violon, et Dominique Vincenti, "le Vinicius de Moraes de l'ïle" , comme l'appelle René Caumer, qui chante Casa Antica et I Spartimenti ! Nos Calvais ne se limitent pas aux ritournelles corses, puisqu'ils nous offrent également une version corse de Nuages, ainsi que Hi-Fly de Randy Weston et Guajira Pa Le Jeva de Clare Fischer.

La musique sur l'invitu :

U Svegliu Calvese et les Rencontres de Calvi  :
Avant 2006 2006 2007 Les invités des Rencontres

jazz world opéra Bruno Coulais autres