Calvis Polyphonietreffen (Les Rencontres Polyphoniques de Calvi)

Jahr 2026

Die anderen Jahre sind >>>>>>>>> hier <<<<<<<<<<.

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Das Programm der XXXVIII. Rencontres de Chants Polyphoniques de Calvi

Montag, 14.	21.30	Salle de spectacle (Veranstaltungssaal)	Eröffnungsabend: Eppò (Korsika) Korsische Musik mit mediterranem Einschlag
Dienstag, 15.	18.	Salle de spectacle (Veranstaltungssaal)	Liquid Sound & A Filetta (Korsika/Korea) Création
	21.30	Salle de spectacle (Veranstaltungssaal)	Barzaz (Bretagne)
Mittwoch, 16	11.		Nicola Segatta (Italien) Der Instrumentenbau als Metapher für den Aufbau von allem
	18.	Salle de spectacle (Veranstaltungssaal)	José Sanchez & Alberto Garcia (Spanien) Von Barockmusik bis Flamenco
	21.30	Salle de spectacle (Veranstaltungssaal)	Roomful of Teeth & Gabriel Kahane (Vereinigte Staaten) Partita for 8 voices von Caroline Shaw (Auszüge) und Elevator Songs von Gabriel Kahane
Donnerstag, 17.	11.	Salle de spectacle (Veranstaltungssaal)	Öffentliches Anhören von Tonarchiven aus der Phonothek des Museums von Korsika
	18.	Salle de spectacle (Veranstaltungssaal)	Humanophones (Frankreich) ANTROPUS - Ein „alternatives“ Pop- und Soul-Konzert, das vollständig vom Körper erzeugt wird
	21.30	Salle de spectacle (Veranstaltungssaal)	Maliheh Moradi, Kiya Tabassian & Hamin Honari (Iran)
Freitag, 18.	11.	Salle de spectacle (Veranstaltungssaal)	Musikraum von Franck Tenaille Die Frauen und Weltmusik
	18.	Salle de spectacle (Veranstaltungssaal)	Seamus & Caoimhe (Irland)
	21.30	Salle de spectacle (Veranstaltungssaal)	A Filetta (Korsika)
Samstag, 19	11.	Kirche (église) Sainte Marie-Majeure	Rosela Libertad (Argentinien)
	18.	Salle de spectacle (Veranstaltungssaal)	Micrologus (Italien) Das Buch der Geschöpfe in den Werken von Franz von Assisi, Hildegard von Bingen und Raimund von Sabunde
	21.30	Salle de spectacle (Veranstaltungssaal)	CALUSGIULE À L’ULTIMU : Abschluß mit allen Teilnehmern der Rencontres: A Filetta, Nicola Segatta, Maliheh Moradi, Hamin Honari, Seamus & Caoimhe, Micrologus; Rebecca Roger Cruz (Venezuela)

Jeden Abend begrüßen die Lieder A FILETTAs die eingeladenen Gruppen

Entdecken Sie die an den Treffen teilnehmenden Künstler auf der Seite Invités.

Die Seite der Rencontres : rencontrespolyphoniques.com.

Das Tagebuch der Rencontres

Die Texte dieses kleinen Tagebuchs werden „unter Strom“ geschrieben, manchmal vor Ort, oft abends oder gegen 1 Uhr morgens, nach der Rückkehr von Konzerten oder früh am nächsten Morgen, um sie an die Redaktion der Gazette zu übermitteln (siehe unten) und um diese Seite zu füllen. Dadurch vermittelt es den rohen – ungefilterten – ersten Eindruck des Redakteurs. Dann wird dieser Kommentar einige Tage später anhand von Erinnerungen, Diskussionen und Analysen aufgegriffen, bereichert, vertieft und verfeinert. Der Leser sollte sich daher nicht wundern, wie sich diese Texte weiterentwickeln. Zögern Sie also nicht, auf die Seite zurückzukommen!

Die „Rencontres“ 2026 werden etwas Besonderes sein, da sie vollständig außerhalb der Zitadelle stattfinden. Angesichts der verringerten Kapazität der Kathedrale (auf 200 Plätze begrenzt und ohne Beschallungsanlage) sowie des Wegfalls weiterer Veranstaltungsorte (das Oratorium und „Chez Tao“ sind geschlossen) wäre es sehr riskant und kompliziert gewesen, sämtliche Darbietungen auf der Place d’Armes zu organisieren. Daher wird in diesem Jahr der Veranstaltungssaal von Calvi (Salle de Spectacle) fast alle Konzerte beherbergen – mit Ausnahme des Konzerts am Samstagvormittag.
Man wird die Zitadelle zwar vermissen, doch diese Änderung bringt nicht nur Nachteile mit sich: Der Saal ist besser zugänglich, die Sitzgelegenheiten sind komfortabler... Eine neue Ära für diese 38. Ausgabe der „Rencontres“.

Nachfolgend finden Sie von professionellen Fotografen aufgenommene Fotos: von Armand Luciani (Casta Libre) und Olivier Sanchez (Crystal Pictures) und auch meine (ein paar Tage später aus Zeitmangel). Um die Fotos zu vergrößern, einfach daraufklicken.
Hinweis: Auf der Seite befinden sich SEHR VIELE Fotos, was – je nach Qualität Ihrer Internetverbindung – zu recht langen Ladezeiten führen kann.

Montag, 14. September

Vorstellung:

EPPÒ wurde in Bastia gegründet und vereint fünf leidenschaftliche Musiker, die ein gemeinsames Ziel verfolgen: die korsische Musik über ihre Grenzen hinaus bekannt zu machen.
Zwischen insularen Traditionen, mediterranen Rhythmen, Folk und Weltmusik bietet EPPÒ ein mitreißendes und festliches Programm. Getragen von strahlenden Melodien, poetischen Texten und einer ansteckenden Energie laden die Lieder der Gruppe zum gemeinsamen Erleben, Tanzen und Fühlen ein.
Nach mehr als 100 Konzerten auf Korsika und dem französischen Festland setzt EPPÒ seine Reise nun mit dem zweiten Album D’Ogni Culore fort. Ganz im Geiste der Band ist es sowohl eine natürliche Fortführung des Debütalbums Core Timpesta als auch eine neue klangliche Entdeckungsreise. Jeder Titel ist ein lebendiges Gemälde – eine universelle Geschichte, untermalt von fesselnden Rhythmen und farbenreichen Melodien. Es ist eine wahre Reise in das Herz menschlicher Emotionen, die eine starke Botschaft von Offenheit, Toleranz und der Feier der Vielfalt vermittelt.
Ange Torre – Gitarre, Bouzouki, Banjo, Flöten und Gesang
François Spinelli – Gesang
Pierre Tristani – Gitarre und Gesang
Jean Philippe Graziani – Bass und Gesang
Laurent Gueirard – Perkussion

Der Bericht von L'Invitu:

Die „Rencontres“, die offiziell am Dienstag beginnen, bieten uns – ganz in bewährter Tradition – bereits am Vorabend einen Eröffnungsabend.
Heute Abend eröffnet die Gruppe Eppò aus Bastia diese Veranstaltung.
Es ist schwer, diese Musik, die traditionellen Gesang, Folk und Rock miteinander verbindet, in eine feste Schublade zu stecken. Sie bleibt zwar tief in Korsika verwurzelt, richtet ihren Blick aber stets auch auf andere Kulturen.
Eppò entfaltet jedenfalls eine schier übersprudelnde Bühnenenergie. Viel Humor, kleine Scherze, eine spürbare Verbundenheit unter den Musikern und ein reger Austausch mit dem Publikum – all das schafft eine ausgelassene Feststimmung. Die Musiker binden das Publikum ein, laden es zum Mitsingen, Antworten und Tanzen ein. Nach und nach werden die Zuschauer selbst zu einem aktiven Teil des Konzerts.
Und als das letzte Stück verklingt, hat das Publikum – nun stehend – das Gefühl, gemeinsam mit Freunden ein Fest gefeiert zu haben.

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Dienstag, 15. September

Vorstellung:

LIQUID SOUND & A FILETTA
Lee Inbo – Künstlerische Leitung und Inszenierung
SEAYOOL – Musikalische Leitung und Komposition
A Filetta, Kwon Songhee, Kim Youri – Interpreten
Jyuri Kim, Kollab Culture – Projektkonzeption und -koordination
Der Farn entfaltet auf der Erdoberfläche ein Blattwerk, das das Gedächtnis des Lebendigen in sich zu tragen scheint. Doch unter der Erde, im Verborgenen seiner Wurzeln, zirkuliert das Leben und verzweigt sich.
GOSARISORI macht dieses unsichtbare Netzwerk hörbar. Wie die Wurzeln eines Farns – unauffällig und tief – suchen einander die Stimmen, antworten einander und verzweigen sich; sie bringen das zum Vorschein, was zunächst verborgen blieb. Das Werk lädt dazu ein, dem Unsichtbaren zu lauschen und wahrzunehmen, was Wesen und Orte miteinander verbindet – jenseits dessen, was sichtbar ist oder benannt werden kann. Der traditionelle koreanische Gesang und die korsische Mehrstimmigkeit haben sich tausende Kilometer voneinander entfernt entwickelt. Und doch tragen beide dasselbe Gedächtnis in sich: das Gedächtnis des Lebens. Volkslieder erzählen von Freuden und Leiden, von Arbeit und Heimat, von den Jahreszeiten, von Geburten und Abschieden. Sie zeugen von einer Beziehung zur Welt, die durch Überlieferung, Erinnerung und die menschliche Stimme geprägt ist.
Zwei Traditionen, entstanden in unterschiedlichen Ländern und in verschiedenen Sprachen, doch durchdrungen von derselben Menschlichkeit. GOSARISORI versucht weder, sie zu verschmelzen, noch das auszulöschen, was sie voneinander unterscheidet. Vielmehr geht es darum, die bereits bestehenden Resonanzen zwischen ihnen sichtbar zu machen – jene verborgenen Verbindungen, die zum Vorschein kommen können, wenn Stimmen einander begegnen. In weit voneinander entfernten Regionen haben Frauen und Männer über lange Zeit hinweg von denselben Freuden, demselben Leid und denselben Lebensgeschichten gesungen – ohne einander je gekannt zu haben. Heute begegnen sich ihre Stimmen.

Kwon Songhee
Als Sängerin, Komponistin und musikalische Leiterin nimmt Kwon Songhee eine einzigartige Stellung in der koreanischen Musikszene ein. Sie erschließt neue Ausdrucksformen, indem sie die Tiefe des *Pansori* – einer traditionellen koreanischen Gesangskunst – in einen Dialog mit zeitgenössischen Klängen und Rhythmen treten lässt. Als Gründerin von PANSORI LAB und Sängerin der Band LEENALCHI hat sie sich sowohl in Korea als auch international einen Namen gemacht – mit Projekten, die die Grenzen zwischen Tradition und Moderne verschieben. Ihr Schaffen, das bereits mit mehreren bedeutenden Preisen (darunter die Korean Music Awards) ausgezeichnet wurde, umfasst zudem Kompositionen und musikalische Gestaltungen für Film und Serien.

Kim Youri
Die koreanische Vokalkünstlerin Kim Youri ist auf *Seodo Sori* spezialisiert – eine Gesangstradition aus den Regionen Pyeongan-do und Hwanghae-do, die zum nationalen immateriellen Kulturerbe Koreas zählt. Ihre klare und überaus ausdrucksstarke Stimme entfaltet den ganzen Reichtum dieser Tradition; ihr persönlicher Interpretationsansatz hebt dabei besonders die feinen Nuancen, die erzählerische Tiefe und die emotionale Kraft hervor. Sie tritt sowohl in Solokonzerten auf als auch im Rahmen des *Baebaeng-i Gut* – einer traditionellen Darbietungsform, die Gesang, Erzählung und theatralischen Ausdruck vereint und von einer einzigen Künstlerin dargeboten wird.

SEAYOOL
Der Komponist und Klangkünstler SEAYOOL, der zwischen dem Vereinigten Königreich und Südkorea tätig ist, entwickelt eine künstlerische Praxis an der Schnittstelle von traditionellen Instrumenten, elektronischer Musik und Field Recording. Seine Arbeit, die von der Erforschung verschiedener „Arten des Empfindens“ gespeist wird, hinterfragt die Grenzen zwischen Tradition und Technologie und eröffnet neue Perspektiven auf das Hören und die Wahrnehmung. Sein Schaffen umfasst sowohl Live-Performances als auch Ambient-Werke oder Projekte, die Echtzeitdaten integrieren. Als musikalischer Leiter für Theater- und Tanzproduktionen untersucht er zudem die Verbindungen zwischen Klanggestaltung, Raum und Bewegung.

Lee Inbo
Lee Inbo, Regisseur und künstlerischer Leiter von Liquidsound, greift auf traditionelle koreanische darstellende Künste zurück, um zeitgenössische Performanceformen zu entwickeln. Seine Arbeit dekonstruiert und erfindet Bewegungen und Klänge aus der Tradition neu – in einem ständigen Dialog mit Klangkunst, Tanz und interdisziplinären Ansätzen.

Insbesondere durch das „Yeonhui Deconstruction Project“ setzt er sich mit der Erneuerung traditioneller performativer Formen und deren Potenzial für die zeitgenössische Bühnenkunst auseinander. Seine internationalen Kooperationen führen diese Auseinandersetzung fort, indem sie ein Zusammenspiel zwischen kulturellem Erbe, künstlerischer Schöpfung und neuen Darstellungsformen ermöglichen.
Mit Unterstützung des Ministeriums für Kultur, Sport und Tourismus der Republik Korea sowie der KOFICE (Korea Foundation for International Cultural Exchange).

Der Bericht von L'Invitu:

Im Laufe seines Bestehens hat uns das Ensemble A Filetta daran gewöhnt, sich bisweilen waghalsigen Herausforderungen zu stellen. Die heutige Aufgabe war von beachtlichem Ausmaß: eine gemeinsame Kreation mit der koreanischen Kompanie Liquid Sound – unter der Regie von Inbo Lee und mit einer Komposition von Seayool –, die eine auf den ersten Blick unwahrscheinliche Begegnung zwischen traditionellem koreanischem Gesang und korsischer Polyphonie ermöglichte.
Der erste Teil widmet sich der Frage: Wie lassen sich Brücken zwischen diesen beiden Welten schlagen? Die Sänger von A Filetta und die beiden koreanischen Sängerinnen Kwon Songhee und Kim Youri sitzen sich auf zwei weit voneinander entfernten Stuhlreihen gegenüber. Sie treten nacheinander auf, ohne dabei miteinander zu interagieren: Jede der Sängerinnen – in traditionelle Gewänder gekleidet – präsentiert ein Solostück, in dem die charakteristischen Merkmale des traditionellen koreanischen Gesangs zum Vorschein kommen: eine raue, kratzige Stimme, ein ausgeprägtes Vibrato, der Ausdruck von Schmerz sowie Intervalle, die westlichen Ohren fremd sind... A Filetta interpretiert drei Stücke: A Paghjella di l'impiccati, Lacrimosa und Sub Tuum.
Anschließend kehren die beiden Koreanerinnen für jeweils ein weiteres Stück zurück.
Der zweite Teil, der den Titel „Diffuser“ trägt, zeigt eine erste Annäherung – sowohl physisch als auch stimmlich –, unter anderem bei dem Stück Letterella, das durch... ...durch Beiträge der beiden Sängerinnen.
Der dritte Teil, „Entrelacement“ (Verflechtung), ist eine großartige gemeinsame Schöpfung, die mit einem Stück endet, das die Symbolik des Farns aufgreift – einer Pflanze, die nach dem Ausreißen wieder neu austreibt: „Tagliata, torna à spuntà, cum'hè a filetta“ (Abgeschnitten, treibt sie wieder aus – wie der Farn).
Eine sehr klug inszenierte Darbietung, bei der die beiden – ursprünglich so unterschiedlichen – Musikstile auf zutiefst berührende Weise miteinander verschmelzen. Eine Musik, die man so noch nie gehört hat – im wahrsten Sinne des Wortes „unerhört“ –, deren Zugang sich nicht immer sofort erschließt, die aber das gesamte Publikum begeisterte.

Um 21:30 Uhr beglückt uns A Filetta mit zwei Liedern: L'Orme sanguigne – als Hommage an den kürzlich verstorbenen Philippe-Jean Catinchi – sowie U Sipolcru. Sollte es keine Perfektion geben, so sind die Sänger von A Filetta ihr an diesem Abend sehr nahe gekommen.

Vorstellung

BARZAZ
„Es war *An Den Kozh Dall* (der alte Blinde), der mich in der Bretagne empfing: Dieses Album von Barzaz begleitete meine ersten Schritte in diesem Land und auf den Pfaden dieser Sprache, die ich nie wieder verlassen werde. Yann-Fañch Kemener, seine vier Mitstreiter und ihr *Den Kozh Dall* leisteten mir in einsamen Abenden Gesellschaft; sie lehrten mich, Dinge zu sehen, die ich zuvor nicht wahrgenommen hatte, und auf Klänge zu hören, die ich zuvor nicht gehört hatte…“
Youenn Lange
Barzaz trat 1989 erstmals vor das bretonische Publikum – mit einer Veröffentlichung, die als eine der prägenden Aufnahmen der 80er und 90er Jahre in der Bretagne gilt. Diese erste CD – *Ec'honder* – bezog sich auf den Begriff des „Raums“ (espace), sowohl inhaltlich (durch die Auswahl der Texte und Anleihen bei teils außereuropäischen Musikstilen) als auch formal (durch die klangliche und technische Gestaltung). Der hypnotische Gesang von Yann-Fañch Kemener war hier in ein besonderes musikalisches Geflecht eingebettet; das so entwickelte Konzept stieß bei der Kritik – in der Bretagne wie darüber hinaus – auf einhellige Begeisterung.
1992 veröffentlichte die Gruppe ihr zweites Album, *An Den Kozh Dall*, das den eigenständigen Charakter der Band unterstrich und ihren Erfolg beim Publikum festigte. Im Laufe dieses Jahrzehnts unternahm Barzaz bis 1997 mehrere Konzerttourneen – in der Bretagne, im übrigen Frankreich und im Ausland. Eine zweite Schaffensphase begann 2013 mit der Wiedervereinigung der Gruppe, fand jedoch 2019 durch den Tod von Yann-Fañch Kemener ein Ende.
Im Juni 2022 beschlossen die Musiker von Barzaz, den Sänger Youenn Lange zu einem Konzert einzuladen. Ziel war es, Yann-Fañch zu ehren, indem sie eine Auswahl aus seinem umfangreichen Repertoire (Gwerzioù, Sonioù und Tonioù-dañs) neu interpretierten. Nach dem Erfolg dieser Konzerte – zwei Jahre nach Beginn dieses neuen Kapitels mit dem Sänger Youenn Lange – verspürte die Gruppe den Wunsch, diese Erfahrung festzuhalten. So entstand *War al leurenn*: Es wurde im Mai 2024 während eines Konzerts der Gruppe im Espace du Champ de Foire (Plabennec) vor Publikum aufgenommen. Das im Mai 2025 erschienene Werk ist ein Doppelalbum, das 15 neu arrangierte Titel umfasst und einen 90-minütigen, unvergesslichen Konzertabend mit einem Gastmusiker dokumentiert. Überraschung.

Youenn Lange – Gesang
Jean-Michel Veillon – Flöten
Gilles Le Bigot – Gitarren
Alain Genty – Fretless-Bass
David ‚Hopi‘ Hopkins – Perkussion

Bericht von L'Invitu:

Die bretonische Gruppe Barzaz („Die Barden“) – bestehend aus Youenn Lange (Gesang), Jean-Michel Veillon (Holzquerflöte), Gilles Le Bigot (Gitarre), Alain Genty (fretless Bass) und David Hopkins (Perkussion) – betritt die Bühne. Schon beim ersten Stück, An Den Kozh Dall („Der alte Blinde“), fühlen wir uns dank dieser exzellenten Musiker direkt in die Bretagne versetzt. Mit großem Können interpretieren sie das Repertoire neu, das oft von den dramatischen Themen der *Gwerz* (Kindsmord, Vergewaltigung, Schiffbruch …) handelt. Kurz gesagt: ein rundum gelungener Abend!

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Mittwoch, 16. September

Aus welchem ​​Holz ist ein Cello gefertigt?
Wie viele Millionen Euro kann eine Stradivari-Geige wert sein?
Was ist das Geheimnis ihres Lacks?
Welche Verbindung könnte zwischen Lärchenharz und dem Streben nach dem Jenseits bestehen?
Eine Mischung aus Konzert, Werkstatt, Theaterstück und immersivem Erlebnis: Der Geigenbau wird hier zur Metapher für den Schöpfungsprozess – vom rohen Material hin zur Musik.
Im Verlauf der Vorstellung entdeckt das Publikum die Geheimnisse und Handgriffe dieses jahrhundertealten Handwerks. Bauteile von Instrumenten, die gerade entstehen, sowie typische Werkzeuge – Hohlbeitel, Hobel und andere Instrumente, die teils kaum größer als ein Fingernagel sind – gehen von Hand zu Hand.
Zwischen den Musikstücken, die Nicola Segatta auf einem von ihm selbst gefertigten Cello spielt, teilt er Anekdoten, Entdeckungen und Geschichten aus seinem Berufsalltag. Man lernt, dem Klang aus dem Inneren eines Cellos zu lauschen, eine Decke auf den Zehntelmillimeter genau zu vermessen, den Duft von venezianischem Terpentin und Myrrhe sowie den eigentümlichen Geruch von Leim aus Kaninchenknochen zu erkennen, Haifischhaut – das Schleifpapier des 18. Jahrhunderts – zu berühren und sogar einen Stimmstock zwischen den Fingern zu halten.
Nicola Segatta
Als Komponist, Cellist, Geigenbauer und Autor zeichnet sich Nicola Segatta durch einen besonders außergewöhnlichen künstlerischen Werdegang aus. Nach seinem Abschluss am Geigenbauinstitut „Antonio Stradivari“ in Cremona verfeinerte er sein Können bei bedeutenden italienischen und europäischen Meistern, bevor er sich – parallel zu seiner musikalischen Tätigkeit – dem Bau von Celli widmete. Als autodidaktischer Komponist erschafft er eine Klangwelt, die an der Schnittstelle von klassischer Musik, populären Stilen und Improvisation angesiedelt ist; zudem komponiert er für Theater, Film, Tanz und Zirkus. Er arbeitete mit Künstlern wie Giovanni Sollima, Avi Avital, Roby Lakatos, Geoff Westley, Dimitri Psonis und A Filetta zusammen. Seine Werke wurden unter anderem im Wiener Konzerthaus, in der Phoenix Hall in Osaka und im Pierre Boulez Saal in Berlin aufgeführt. Im Jahr 2025 entwickelte er das Programm *Dal legno al suono*, das die Verbindung seiner verschiedenen handwerklichen und künstlerischen Kompetenzen weiter vertieft. Zudem ist er Autor des Buches *Di suoni, di legni e di tempeste*, das 2026 im Verlag Terre di Mezzo erschien.

Bericht von L'Invitu:

Um 11 Uhr lässt uns Nicola Segatta – Geigenbauer und Komponist – in seine Welt und seine Geschichte eintauchen. Als eine Mischung aus Konzert, Werkstatt und immersivem Erlebnis entführt uns Dal legno al suono in die faszinierende Welt des Geigenbaus.
Die Darbietung, die theatralischen Monolog, musikalische Performance und Erzählkunst vereint, inszeniert den fesselnden Entstehungsprozess eines Musikinstruments; Werkzeuge, Hölzer, Handgriffe und Materialien verweben sich mit der Musik. Nicola lässt die Hölzer herumgehen, die für den Bau eines Cellos verwendet werden – Fichte, Ebenholz –, ebenso wie die Bestandteile der Lacke und Leime: Leinöl, Kiefernharz, Myrrhe...
Ausgehend von der Erinnerung an seine beiden Großväter – der eine Geiger, der andere Geigenbauer – erzählt er von seiner Ausbildung in Cremona und den Menschen, denen er dort begegnete. Begleitet von einem Cello und einer Gitarre, die er selbst gefertigt hat, und singend auf Russisch, Italienisch, Französisch oder Englisch, nimmt Nicola uns mit auf eine Reise. Sie lässt den Wald und das Holz lebendig werden und verweist auf das Streben nach Ewigkeit, das der langsamen Arbeit des Geigenbauers innewohnt – eine Arbeit, die zugleich zur Metapher für die eigene Lebensgestaltung wird. Faszinierend!

Präsentation

JOSE SANCHEZ & ALBERTO GARCIA
Der Flamenco, der auf subtile Weise von der Barockmusik geprägt ist, findet in ihr einen Teil seines Ursprungs. Beide Welten teilen ein gemeinsames musikalisches Kontinuum sowie eine Vorliebe für Wiederholungen – das Ostinato.
José Sanchez und Alberto Garcia begeben sich auf die Entdeckung dieser Verbindung, die zugleich offensichtlich und doch unerwartet ist. „Reflets“ (Spiegelungen) ist eine Suche nach barocken Stücken, die mit dem Flamenco in Resonanz treten können, und gliedert sich in verschiedene Ansätze: Den Flamenco an den Barock heranzuführen, indem notierte Gesangslinien zum Klingen gebracht oder instrumentale Solopartien vokal interpretiert werden; und den Barock in den Flamenco zu integrieren, indem auf der Grundlage barocker Ostinati Variationen geschaffen werden, die sich der Mittel und Codes des Flamenco bedienen.

>Angetrieben von demselben Wunsch nach Freiheit und bereichert durch die vielfältigen musikalischen Welten, denen sie im Laufe ihres Werdegangs begegnet sind, beschränken sich die beiden Künstler nicht auf die Grenzen des Flamenco. Sie hinterfragen die Tradition, spielen mit ihren Konventionen und erweitern den Spielraum, um neue, unerforschte Wege zu beschreiten. So erschaffen sie eine musikalische Architektur, in der sich Phrasen, Stile, Klangfarben und Rhythmen gegenseitig antworten, überlagern und miteinander verflechten – es entsteht eine Atmosphäre, die zwischen Trance und Melancholie schwingt. Aus dieser Begegnung geht ein neu gestalteter Flamenco hervor, der letztlich nichts anderes ist als ein Spiegelbild ihrer eigenen künstlerischen Welten.

José Sanchez – Gitarre und Theorbe
José Sanchez ist ein Flamenco-Gitarrist und Theorben-Spieler mit einem außergewöhnlichen Werdegang, der an der Schnittstelle zwischen Flamenco- und Barocktradition angesiedelt ist. Verwurzelt in der Flamenco-Kultur und über mehrere Jahre in Granada bei Emilio Maya ausgebildet, etablierte er sich zunächst als eine feste Größe der Flamenco-Gitarre. Später wandte er sich der Theorbe zu, überzeugt von den tiefgreifenden Verwandtschaften zwischen diesen beiden Welten. Er überträgt seine Virtuosität und seine Flamenco-Sprache auf dieses Instrument mit vierzehn Saiten und eröffnet so einen neuartigen Dialog zwischen den beiden Traditionen. Er ist ein gefragter Gast – unter anderem bei der Geneva Camerata unter der Leitung von David Greilsammer sowie beim Orchestre de Chambre de Toulouse – und arbeitet mit zahlreichen Künstlern aus der Klassik-, Barock- und Flamenco-Szene zusammen. Für den Sänger Alberto Garcia adaptierte er unter anderem Werke von Bach, Vivaldi und Purcell. Als Komponist arbeitet er zudem mit Künstlern aus anderen Sparten zusammen, darunter der Sänger Niño de Elche, der Regisseur Aurélien Bory und die Choreografin Stéphanie Fuster. Im Jahr 2023 komponierte und interpretierte er *Sonate/Concerto en 37 1/2*, ein Werk der Choreografin Ana Pérez. Seine Karriere führt ihn heute durch ganz Europa und Asien; seine Arbeit basiert dabei auf der Begegnung und der Aufhebung der Grenzen zwischen verschiedenen musikalischen Ästhetiken.

Alberto Garcia – Gesang und Perkussion
Alberto Garcia zählt zu den bedeutenden Flamenco-Stimmen in Frankreich. Seit seinem professionellen Debüt im Jahr 1997 ist er auf großen Bühnen und bei zahlreichen Festivals aufgetreten. Dabei arbeitete er sowohl mit führenden Persönlichkeiten des spanischen Flamenco zusammen als auch mit Künstlern aus den Bereichen Klassik, Jazz, Tanz und Theater. Sein künstlerischer Werdegang ist von großer Offenheit geprägt: Er arbeitete unter anderem mit Künstlern wie Vicente Pradal, Aurélien Bory, Alexandre Tharaud, Louis Winsberg, Niño Josele und Pierre Bertrand zusammen. Gemeinsam mit Alexandre Tharaud entwickelte er das Projekt „Scarlatti / Chant flamenco“, das die Musik von Domenico Scarlatti mit dem Flamenco-Gesang in Dialog setzt. Zudem wirkte er an der Entstehung von Aurélien Borys Stück „questcequetudeviens?“ mit – eine Produktion, die sowohl in Frankreich als auch international zu sehen war, unter anderem im Londoner Barbican Centre, wo sie eine Nominierung für die Olivier Awards erhielt. Dank seiner Stimme stand er gemeinsam mit großen Flamenco-Größen wie Manuel Agujetas, El Cigala und Mercedes Ruiz auf der Bühne; darüber hinaus erkundete er andere musikalische Traditionen, etwa im Rahmen von Kooperationen mit indischen Musikern. Als Pädagoge sowie als Autor und Interpret unterrichtete er Flamenco am Fachbereich für traditionelle Musik der École Nationale de Musique in Villeurbanne und beteiligte sich an verschiedenen Vermittlungsprojekten rund um den Flamenco-Gesang.

Bericht von L'Invitu:

Um 18 Uhr präsentieren uns José Sanchez (Gitarre) und Alberto Garcia (Gesang) ihr Programm „Reflets“. Gibt es Verbindungen zwischen Barockmusik und Flamenco? José Sanchez und Alberto García antworten ohne Zögern mit „Ja“ – und wir schließen uns dem an.
Die beiden Musiker nehmen uns mit auf eine Entdeckungsreise zu dieser unerwarteten, doch zugleich offensichtlichen Verbindung. Wir sind sofort verzaubert von der Schönheit dieser Musik und dem leidenschaftlichen Einsatz des Sängers und des Gitarristen – Letzterer spielt ein ganz besonderes Instrument: eine Gitarre mit sieben plus zwölf Saiten, ähnlich einer Theorbe.
Inspiriert unter anderem von Bach, erschafft das Duo einen wunderbaren Flamenco. Der absolute Höhepunkt des Konzerts war zweifellos die „Flamenco“-Version von Purcells „Dido’s Lament“: Aus „When I'm laid in earth“ wurde „Quando me pongo en la tierra“. Das Stück wurde vom begeisterten Publikum prompt als Zugabe gefordert.

Einführung

Caroline Shaw, Trägerin des Pulitzer-Preises für Musik, ist ein echter Star der zeitgenössischen Musikszene. Die amerikanische Komponistin bewegt sich ebenso versiert in der Popmusik wie in der zeitgenössischen Musik und wandelt dabei mit großer Freude zwischen den Genres. Ihr prachtvolles, 2012 uraufgeführtes Werk *Partita* lässt acht A-cappella-Stimmen auf unglaublich überraschende Weise erklingen – dank Gesangstechniken, die aus der ganzen Welt stammen. Nicht weniger virtuos ist Gabriel Kahane: Er ist sowohl ein bedeutender Folk-Sänger als auch ein Komponist, der in seinen *Elevator Songs* den (außergewöhnlichen) Solisten des Ensembles *Roomful of Teeth* ein Denkmal setzt. Ein großartiges Programm, um zwei Schlüsselfiguren der neuen amerikanischen Musik zu entdecken.

Der Bericht von L'Invitu:

Das Konzert um 21:30 Uhr mit dem amerikanischen Oktett Roomful of Teeth & Gabriel Kahane wurde durch zwei Gesänge von A Filetta eröffnet: ein neues Werk sowie E Lode di u sepolcru. Zwei wunderbare Stücke.
Das heutige Konzert rief beim Publikum durchaus unterschiedliche Reaktionen hervor – die einen zeigten sich begeistert, andere blieben eher zurückhaltend.
Man muss dazu sagen, dass die Musik von Caroline Shaw sehr überraschend ist. Die drei Teile (der vierte Teil folgte als Zugabe) der Partita for 8 voices von Caroline Shaw greifen auf nahezu alle erdenklichen Gesangsstile und -techniken zurück: Kehlgesang, Jodeln, klassischen Operngesang, Atemgeräusche, Flüstern, Obertongesang... Das Oktett entfaltet eine rhythmische Virtuosität und eine mitreißende chorische Energie – doch die emotionale Tiefe, die zuvor bei José Sanchez und Alberto Garcia zu spüren war, wurde hier nicht erreicht.
Die Elevator Songs von Gabriel Kahane sind eher traditionell gehalten. Der Titel und das Thema – ein Aufzug in einem imaginären, mehrdimensionalen Hotel – erinnern unmittelbar an Escalator over the Hill von Carla Bley, aber auch an die Kompositionen von Michael Mantler zu Texten von Beckett. Bei jedem Etagenwechsel, der durch das Vibraphon – den „Aufzug“ – angekündigt wird, ist einer der Sänger – die „Hotelgäste“ – dazu aufgefordert, in einem für ihn ungewohnten Register zu singen, begleitet von einer Bratsche, einem Vibraphon, einem Klavier oder einem Bass. Wer kein Englisch spricht, hätte sich eine simultane Übersetzung gewünscht, um zu verstehen, was in diesem Hotel eigentlich vor sich geht.
À l'iniziu c'era a voce ? (Am Anfang stand die Stimme?) Heute Abend haben wir ein ganzes Spektrum dessen erlebt, was die menschliche Stimme hervorzubringen vermag.

Donnerstag, 17. September

Präsentation

ÖFFENTLICHES HÖREN VON TONARCHIVEN AUS DER PHONOTHEK DES MUSEUMS VON KORSIKA
Im Rahmen der „Rencontres de Chants Polyphoniques“ (Begegnungen für polyphonen Gesang) wird eine besondere Veranstaltung zum öffentlichen Anhören von Tonaufnahmen angeboten – gestaltet von Damien Delgrossi in Zusammenarbeit mit der Phonothek des Museums von Korsika.
Ein neuartiges Eintauchen in das musikalische Gedächtnis der Insel – zwischen Tradition, Emotion und Weitergabe.

Bericht zu „L'Invitu“:

Um 11 Uhr fand eine öffentliche Hörveranstaltung statt, moderiert von Damien Delgrossi und Dominique Bianconi in Zusammenarbeit mit der Phonothek des Museums von Korsika. Anhand von Aufnahmen, die seit 1949 in der Balagne (Calvi, Zilia, Speluncatu, Felicetu) gesammelt wurden, entdecken wir die Vielfalt des korsischen Gesangs und seine Entwicklung bis in die Gegenwart. Die Referenten heben besonders die Bedeutung von Roccu Mambrini hervor – einem Dichter und Sänger aus Zilia und Verfasser des Textes zum Lamentu à Ghjesù, das heute als traditionelles Lied gilt.
Dabei zeigt sich, dass Kategorien, die einst als feststehend galten, der Realität nicht standhalten: etwa Monodien, die im chjami è rispondi (Wechselgesang) verwendet werden; lamenti, die von Männern vorgetragen werden; oder Frauen, die die paghjella singen (die übrigens keineswegs auf das Zentrum Korsikas beschränkt ist usw.).
Wie sieht die Zukunft des korsischen Gesangs aus? Wir befinden uns an einem entscheidenden Wendepunkt: Mit dem Verschwinden der letzten traditionellen Sänger wird die Dokumentation des Gesangs künftig allein über die Tonträgerindustrie erfolgen.
Ein Fazit, das sowohl optimistisch als auch pessimistisch stimmt – doch hervorzuheben ist der enorme Reichtum des korsischen Liedguts, ein in Europa einzigartiger Fall.

Präsentation

HUMANOPHONES

Mit „Antropus“ erschaffen die Humanophones einen organischen, neuartigen Pop, der ausschließlich mit dem Körper erzeugt wird. Sieben Interpreten verbinden Bodypercussion, Gesang und Bewegung zu einer Musik mit Funk-, New-Soul- und Tribal-Einflüssen – ebenso kraftvoll wie mitreißend.
Zungenschnalzen, Stampfen, Reibegeräusche, Stimmen, Atemlaute und Lautmalereien entfalten ein grenzenloses Klang- und Bilduniversum. Zwischen urbaner Trance und zeitgenössischem Ritual wird der Körper wieder zum primären Instrument; die Stimmen verwandeln sich in eine universelle, instinktive Sprache, die über Worte hinausgeht.
Doch hinter der Energie und Virtuosität stellt „Antropus“ Fragen zu unserer Zeit und unserem Verhältnis zur Welt. In burlesken, poetischen und skurrilen Szenen thematisiert die Inszenierung Phänomene wie das endlose Scrollen im Netz und das Streben nach sofortiger Befriedigung, den Klimawandel, das Artensterben sowie die Fehlentwicklungen unseres Gesellschaftsmodells.
Vor dem Hintergrund des Anthropozäns nehmen uns sieben Hominiden mit auf eine klangliche und visuelle Odyssee, die unsere Widersprüche beleuchtet: Wie können wir uns unseres Einflusses bewusst werden und dennoch weiter voranschreiten? Welche Werte sollten wir wählen, um nicht vom Kurs abzukommen?
Ohne jemals belehrend zu wirken, lädt „Antropus“ dazu ein, wach zu werden, gemeinsam aufmerksam zu sein und nach Lösungen zu suchen – und feiert dabei das, was die Menschheit... ...hat noch etwas Wertvolleres: seine Fähigkeit, sich Dinge vorzustellen, zu erschaffen und zu verwandeln.

Bericht von L'Invitu:

Um 18 Uhr trat das Ensemble Humanophones auf. Die Musik dieser siebenköpfigen Gruppe wird ausschließlich mit dem eigenen Körper erzeugt (Klatschen, Stampfen, Beatbox und Gesang). Die Musik – gefärbt von Soul und Funk – ruft poetische Bilder hervor, untermalt von engagierten Texten, die sich mit Ökologie und dem Wahnsinn unserer Lebensweise befassen, welche die lebendige Welt zerstört.
Zwei exzellente Sängerinnen, eine mitreißende Bühnenpräsenz – ein anregendes Konzert! Das Konzert begann zwar verspätet, doch die Humanophones beschlossen – in Absprache mit dem Publikum –, es mit einer ausgiebigen Zugabe zu verlängern.

Präsentation

MALIHEH MORADI, KIYA TABASSIAN & HAMIN HONARI

In dieser neuen Produktion des Ensembles Constantinople entfaltet sich ein außergewöhnlicher Dialog zwischen Kiya Tabassian und der Sängerin Maliheh Moradi, der uns tief in die reiche iranische Kultur eintauchen lässt. Als herausragende Vertreterin einer neuen Künstlergeneration hat Maliheh Moradi vor einigen Jahren den Iran verlassen, um ihren künstlerischen Weg in Freiheit fortzusetzen. Sie steht in der Tradition einer der weltweit raffiniertesten Gesangskünste und besticht durch eine Stimme von großer Schönheit, tiefer Intensität und bemerkenswerter technischer Meisterschaft. Heute gilt sie als eine der vielversprechendsten weiblichen Stimmen der iranischen Musikszene. „Die Stimme der Morgendämmerung“ („La Voix de l’Aube“) offenbart den Reichtum, die Poesie und die Komplexität einer über Jahrhunderte gewachsenen Musikkultur. Dabei treten Schätze der persischen Musik in einen Dialog mit den Kompositionen von Kiya Tabassian. Mehr als nur ein Konzert, feiert diese Begegnung die schöpferische Freiheit, die Weitergabe von Traditionen und die Widerstandskraft. Sie unterstreicht die zentrale Bedeutung der weiblichen Stimme in der heutigen iranischen Kultur und erinnert an die Kraft der Kunst, wenn sie zum Raum für Ausdruck, Erinnerung und Hoffnung wird.
Eine musikalische Reise von großer Intensität, getragen von einer der schönsten Stimmen des heutigen Iran.
Dieses Projekt wird vom Canada Council for the Arts und dem Conseil des arts et des lettres du Québec unterstützt.

Bericht von L’Invitu:

Am Abend, nach der mitreißenden Stimmung des vorangegangenen Konzerts, kehrte mit den beiden Stücken von A Filetta – In ogni addiu und Stabat Mater – wieder Ruhe ein; eine wunderbar sanfte Darbietung. Ein Moment der Ekstase...

Kiya Tabassian – der bei den „Rencontres“ bereits mehrfach in unterschiedlichen Konstellationen zu Gast war (unter anderem mit Ablaye Cissoko, Marco Beasley, Ghalia Benali und natürlich A Filetta) – begleitet heute Abend gemeinsam mit dem Perkussionisten Hamin Honari die bedeutende iranische Sängerin Maliheh Moradi auf der Setar.
Zu Beginn weist Kiya darauf hin, dass iranische Frauen seit 1979 vollständig von der Bühne verbannt sind.
Das heutige Konzert – eine Vorab-Präsentation – besteht aus einer langen, ununterbrochenen Folge persischer Gesänge, in denen Maliheh Moradi das gesamte Spektrum ihrer stimmlichen Möglichkeiten entfaltet. Man fühlt sich verzaubert, in eine andere Welt entführt.
An diesem Donnerstagabend sind sich viele von uns einig: Wir können uns wirklich glücklich schätzen, diese „Rencontres“ erleben zu dürfen. Und als besonderes Highlight konnten wir bereits vorab die CD „Clair-Obscur“ von A Filetta und Constantinople erwerben. Da es vor Ort leider keinen CD-Player gibt, müssen wir uns noch ein wenig gedulden, bis wir sie anhören (und rezensieren) können.

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Freitag, 18. September

Präsentation

Musiksalon von Franck Tenaille: Die Musik der Seidenstraßen

MUSIKSALON – FRANK TENAILLE

Im Laufe einer faszinierenden Geschichte haben die sogenannten Seidenstraßen – Verbindungen zwischen Orient und Okzident – ​​zahlreiche Fantasien und Mythen beflügelt. Sie wurden von Kaufleuten, Diplomaten, Pilgern und Reisenden genutzt, aber auch von Musikern. Entlang dieses Geflechts von Routen, das von Karawansereien und legendären Knotenpunkten wie Chang’an/Xi’an, Samarkand, Buchara, Kaschgar sowie Konstantinopel/Byzanz gesäumt war, fand ein reger Austausch von Repertoires, musikalischen Modi und Rhythmen statt – zwischen der arabischen, türkischen, persischen, indischen und chinesischen Welt. Frank Tenaille lässt diesen jahrtausendealten Austausch lebendig werden und untermalt seine Ausführungen mit Musikbeispielen.
Frank Tenaille
Gebürtig aus der Heimat von Boby Lapointe, ist er seit den 1970er Jahren als Journalist tätig – zunächst im Bereich internationale Geopolitik, später mit dem Schwerpunkt auf Weltkulturen und Weltmusik (u. a. für *Droit de Réponse*, *Libération*, *Nouvel Observateur*, *Le Monde de la Musique* und *La Quinzaine Littéraire*). Zudem war er Chefredakteur verschiedener Publikationen, darunter das Kulturmonatsmagazin *César*, das sich dem Süden widmete.
Er ist Autor mehrerer Bücher, darunter: *Les 56 Afriques* (Editions Maspero) und *Guy Bedos, Histoire d’un rire* (Seghers). Le Roman de Coluche (Laffont) ; Le Printemps de Bourges, histoire des musiques d’aujourd’hui (Gallimard) ; Sans Visa, Le guide des musiques de l’espace francophone et du monde (Editions Zone Franche) ; Le libre parcours d’Eve Griliquez (Editions du Layeur) ; Chant et polyphonies corses (Editions du Layeur) ; Le Swing du caméléon, panorama des musiques africaines (Actes Sud); Le Raï, entre bâtardise et reconnaissance (Actes Sud / Cité de la musique) ; Musafrica, Portraits de la musique africaine (Editions du Layeur) ; Musiques sans visa : Les 20 ans du festival de Saint-Nazaire ; Musiques et chants en Occitanie (Editions du Layeur) ; Coluche, même pas mort (Calmann-Levy) ; Le Cabaret sauvage: Vingt ans d’un lieu ouvert au monde (Editions du Layeur).
Als Gründungsmitglied und ehemaliger Präsident von Zone Franche (dem Netzwerk für Weltmusik) war er als künstlerischer Programmgestalter für verschiedene Festivals tätig, darunter Equinoxes, Nuits blanches pour la musique noire, Le Printemps des Comédiens und Radio-France Montpellier.
Er ist künstlerischer Leiter von Le Chantier (einem Zentrum für die Kreation von Weltmusik) und Mitglied der Académie Charles Cros.

Bericht von „L'Invitu“:

Ein Rückblick auf die schöne Würdigung von Philippe-Jean Catinchi in Ausgabe Nr. 3 der „Gazette“, die einen wunderbaren Text von Franck Tenaille enthält.
Am Rande sei erwähnt: Wir haben herzlich gelacht, als wir die Scherze der Zeichner über seine legendären knielangen Hosen sahen – wir selbst hatten sie nämlich unter uns scherzhaft „Philippejeans“ getauft.

Um 11 Uhr nimmt uns Franck Tenaille mit auf die Seidenstraßen.
Ein fesselnder Vortrag, der aufzeigt, wie verschiedene Kulturen über Jahrhunderte hinweg miteinander in Austausch traten. Von Chang'an in China über Persien, Kasachstan, Samarkand und Kaschmir bis hin nach Konstantinopel:
Ideen, Religionen, Kunst und Musik reisten gemeinsam mit den Händlern. Wie immer: absolut faszinierend.

Vorstellung

SÉAMUS & CAOIMHE Als Nachkommen einer Musikerfamilie, die tief in Connemara verwurzelt ist, verkörpern Séamus und Caoimhe Uí Fhlatharta eine neue Generation von Künstlern, die dem Reichtum der irischen Tradition eng verbunden sind.
Sie stammen aus An Áird Mhóir, im Herzen der Gaeltacht-Region in der Grafschaft Galway, und zeichnen sich besonders durch ihre Beherrschung des „Sean-nós“ aus – einer traditionellen gälischen Gesangskunst, die a cappella vorgetragen wird –, sowie durch ihre ganz eigenen Arrangements irischer und englischer Lieder.
Séamus – Gesang, Harfe und Bodhrán – und Caoimhe – Gesang und Geige – lassen ihre Stimmen in einem besonders innigen, geschwisterlichen Zusammenspiel miteinander kommunizieren. Als Multiinstrumentalisten und Tänzer, die beide bei den „All-Ireland Championships“ ausgezeichnet wurden, lassen sie ihr kulturelles Erbe mit ansteckender Energie lebendig werden. Dabei bilden die irische Sprache und Musik den Kern ihres künstlerischen Schaffens. Ihre Welt – zugleich intim und lebendig – verbindet auf ganz natürliche Weise das kulturelle Gedächtnis mit zeitgenössischer Gestaltung. Ihr gleichnamiges Album, das 2023 erschien, entstand in Zusammenarbeit mit Brian Whelan und Bill Whelan, dem berühmten Komponisten von „Riverdance“.
Aufgenommen im Studio „The Fort“, in In Roundstone, Connemara, offenbart er einen Klang, der zugleich authentisch und zeitgemäß ist – eine Verbindung aus der Kraft traditioneller Melodien und subtilen, ganz persönlichen Arrangements.
Séamus Uí Fhlatharta – Gesang, Bodhrán, Harfe
Caoimhe Uí Fhlatharta – Gesang, Geige

Bericht zu „L'Invitu“:

Die 18-Uhr-Veranstaltung stand ganz im Zeichen Irlands – mit Séamus und Caoimhe Uí Fhlatharta. Das Geschwisterpaar ist bekannt für seinen Sean-nós-Gesang (eine traditionelle irische Gesangsform ohne instrumentale Begleitung) sowie für seine einzigartigen Arrangements irischer und englischer Lieder. Séamus spielt Harfe und Flöte und tanzt; seine Schwester spielt Geige, Orgel und Flöte. Einige Stücke werden a cappella vorgetragen, andere durch rhythmisches Fußstampfen begleitet.
Die beiden Stimmen verschmelzen auf sehr subtile Weise in Melodien, die mal überaus sanft, mal sehr schwungvoll und tanzbar sind – ergänzt durch ein höchst virtuoses Zwischenspiel auf kleinen irischen Flöten. Ein wunderbares Konzert.

Vorstellung

A FILETTA: L'ante nove
Die Musik von A Filetta ist eine Reise... Man könnte sie als einen zeitgenössischen polyphonen Vokalansatz beschreiben, der aus einer kraftvollen mündlichen Überlieferung hervorgegangen ist.
Im Jahr 1978 machten sich sehr junge Menschen auf den Weg – angetrieben von dem unerschütterlichen Willen, zum Erhalt eines mündlichen Kulturerbes beizutragen, das damals vom Aussterben bedroht war. Ihr Weg war lang, bisweilen verschlungen, doch gesäumt von Entdeckungen und außergewöhnlichen Begegnungen. Die Sänger bekennen denn auch freimütig, dass die „Begegnung“ fest in ihrer musikalischen DNA verankert ist. Dies erklärt, warum sie ihre Reise nicht auf den engen Kreis ihrer eigenen Wurzeln beschränken wollten: Ausgehend von den Ufern einer überlieferten Tradition öffneten sie sich schon früh anderen Horizonten – anderen Regionen, anderen künstlerischen Disziplinen und anderen Künstlern (Interpreten, Komponisten, Regisseuren, Choreografen).
Das heutige Repertoire spiegelt getreu den Weg wider, den die Gruppe seit Anfang der 1980er Jahre zurückgelegt hat: eine Entwicklung, die ihren Ursprung in einer jahrhundertealten mündlichen Tradition hat und sich nun in einer freien, unbefangenen Kompositionsweise entfaltet – losgelöst von jeglicher Verpflichtung zur bloßen Bewahrung des Erbes. Darin begegnen einander geistliche und weltliche Gesänge unterschiedlichster Prägung, Filmmusiken von Bruno Coulais, Kompositionen für Choreografien von Sidi Larbi Cherkaoui, Chorpassagen aus Werken, die auf der griechischen oder lateinischen Mythologie basieren, sowie Stücke aus einem Requiem, das vom Festival de Saint-Denis in Auftrag gegeben wurde.
Eine Musik im Dienste einer Weltanschauung, die jede identitäre Abschottung unmissverständlich ablehnt und deren Philosophie sich in jenem schönen Aphorismus von René Char zusammenfassen lässt: „Die reinsten Ernten werden auf einem Boden gesät, der nicht existiert; sie kennen keinen Dank und verdanken ihr Dasein allein dem Frühling.“
Stimmen – Jean-Claude Acquaviva, François Aragni, Jean-Do Bianco, Petr’Antò Casta, Paul Giansily, Jean-Vincent Servetto, Maxime Vuillamier

Bericht von L'Invitu:

Dieser Freitag wird als ein Abend in Erinnerung bleiben, der von tiefer Emotionalität geprägt war. Zu Beginn zollten François Canava und Jean-Claude Acquaviva Philippe-Jean Catinchi einen bewegenden Tribut – ebenso wie Stéphane Casalta, der vor etwas mehr als einem Jahr verstarb, und Chloë Aldrovandi, einer 18-jährigen Schülerin, die im Februar 2025 in Ponte-Leccia erschossen wurde.
Besonders ergreifend war zudem Jean-Claudes leidenschaftlicher Appell für Frieden und Eintracht, die auf Gerechtigkeit gründen.
Dann folgte die musikalische Ebene. Wer die Gruppe „A Filetta“ seit über dreißig Jahren verfolgt, könnte meinen, man sei inzwischen abgestumpft – doch das Gegenteil ist der Fall: Bei jedem Konzert sind wir aufs Neue beeindruckt von einer technischen Meisterschaft, die ganz in den Dienst tiefer Gefühle gestellt wird. Der heutige Auftritt war ein durchgehender Zauber, der in einem zutiefst berührenden Lamentu à Ghjesù gipfelte – ein Moment, der vielen im Publikum Tränen in die Augen trieb.
Zuvor hatten uns die sieben Sänger unter anderem mit folgenden Stücken (nicht zwingend in dieser Reihenfolge) begeistert: Kyrie, Lacrimosa, Sub Tuum, Requiem, zwei Lieder nach Texten von Pessoa – Ruvine sò und E chjarine de l'angoscia –, Benedictus, Bon ghjornu Madamicella, Si more a cità (König Ödipus), zwei Auszüge aus Don Juan, Happy Birthday (Der Libertin), Norbu, The Wrath of Karma (Himalaya – Die Kindheit eines Häuptlings) sowie The Cardinal's Madness. Wir verlassen das Konzert wie benommen, unsere Herzen erfüllt von Liebe.

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Samstag, 19. September

Vorstellung

ROSELA LIBERTAD

Rosela Libertad, eine aus Argentinien stammende und heute auf Korsika lebende Sängerin und Gitarristin, schöpft ihre Inspiration aus der Musik der argentinischen Ebenen – Milongas, Estilos, Zambas, Walzer und Tangos –, die den Kern ihres Repertoires bilden. Allein mit ihrer Gitarre und ihrer Stimme nimmt sie das Publikum mit auf eine musikalische Reise ins Herz Lateinamerikas.

In Alegoría Argentina durchquert Rosela die weiten musikalischen Landschaften ihrer Heimat, die durch das Zusammentreffen von Volkstraditionen, kulturellem Erbe und der Geschichte der Einwanderung geprägt sind. Sie lässt zeitlose Lieder erklingen, in denen sich die Erinnerung an Argentinien mit einer Offenheit für die Musikkulturen der Welt verbindet. Ihre Stimme – zugleich tief, strahlend und ausdrucksstark – schafft eine intime und unmittelbare Verbindung zum Publikum.

Seit 2021 in Frankreich ansässig, hat sie zahlreiche künstlerische Partnerschaften aufgebaut, insbesondere mit Stéphane Casalta. Gemeinsam mit ihm war sie an verschiedenen Projekten beteiligt: ​​ dem Duo Magicanima, Canti a Lucendiluna (zusammen mit dem Chor Armoniosoincanto aus Perugia), dem Album Animantiga sowie Dì u mare – einem Programm, das Gesang und Poesie aus dem Mittelmeerraum miteinander verwebt.

Ihr künstlerischer Weg führte sie zu... Sie trat bei Veranstaltungen wie dem World Music Festival in Sassari, den Rencontres Polyphoniques de Calvi, Festivoce und Les Suds in Arles auf und teilte zudem die Bühne mit dem Pianisten und Komponisten Oscar Del Barba. Durch ihre Interpretationen lässt Rosela Libertad die argentinische und die mediterrane Kultur in einen Dialog treten – in einer musikalischen Welt, die zugleich authentisch, großzügig und zutiefst menschlich ist.

Bericht von L'Invitu:

Wie jedes Jahr findet das Vormittagskonzert am Samstag in der Kirche Sainte-Marie in Calvi statt. Auch diesmal ist es ein Konzert voller tiefer Emotionen.
Schon beim ersten Stück verzaubert uns die Reinheit und stimmliche Präzision von Rosela Libertad – unter anderem mit einer Komposition von Carlos Gardel.
Der zweite Teil des Konzerts ist drei Menschen gewidmet, die im Leben von Rosela eine bedeutende Rolle spielten: Das erste Stück gilt ihrem Vater;
das zweite Stück ist René Favaloro gewidmet, einem berühmten argentinischen Chirurgen, der die Technik der aortokoronaren Bypass-Operation entwickelte (er weigerte sich, sie patentieren zu lassen, damit sie allen kostenlos zugutekommen konnte). Am 29. Juli 2000 nahm er sich aus Verzweiflung über die Korruption und den wirtschaftlichen Zusammenbruch seines Landes, der auch seine Stiftung gefährdete, das Leben.
Das dritte Stück – das bewegendste von allen – ist Stéphane Casalta gewidmet; das Konzert endet mit Gounods Ave ​​Maria, a cappella vorgetragen.
Wir verließen dieses wunderschöne Konzert tief berührt.

Einführung

MICROLOGUS – Leitung: PATRIZIA BOVI

Der heilige Franziskus von Assisi preist in seinem berühmten „Sonnengesang“ (Cantico delle creature), der 1225 entstand, alle Geschöpfe und Elemente – Erde, Wasser, Luft und Feuer. Der „Sonnengesang“ gilt als der erste bedeutende, vollständig überlieferte Text in einer italienischen Volkssprache und war ursprünglich zum Singen bestimmt. Ein Manuskript aus dem 13. Jahrhundert, das in der Bibliothek des Sacro Convento in Assisi aufbewahrt wird, enthält unter anderem die ersten Verse; dabei ist ein Freiraum erkennbar, der für eine – allerdings nie notierte – Melodielinie vorgesehen war. Dieses Programm präsentiert erstmals eine musikalische Rekonstruktion des „Sonnengesangs“, die auf einer neuen Interpretation der ältesten Quellen sowie auf jener liturgischen Tradition beruht, in der Franziskus und seine Brüder zu singen pflegten. In seiner Legenda maior berichtet der heilige Bonaventura zudem, dass Franziskus die Geschöpfe dazu aufforderte, Gott „nach Art des Propheten David“ zu preisen – also in einer psalmodierenden Form.

Der Weg führt weiter zu Hildegard von Bingen (1098–1179) – einer deutschen Mystikerin, Äbtissin und Komponistin, deren Werk von einer bemerkenswerten Kenntnis der natürlichen Welt zeugt. In ihren Schriften über die Geschöpfe befasst sie sich mit dem Pflanzen-, Tier- und Mineralreich – eingebettet in ein Universum, das als ein Gleichgewicht der vier Elemente verstanden wird. Ihre Visionen, ihr philosophisches Denken und ihre musikalischen Kompositionen – die zu den Meisterwerken mittelalterlicher Musik zählen – offenbaren ein zutiefst spirituelles und feinfühliges Verständnis des Lebendigen.

Gegen Ende des 15. Jahrhunderts widmet auch der Theologe Raimund von Sabunde in seinem Liber Creaturarum – dem „Buch der Geschöpfe“ – der Natur als erster Offenbarung des Göttlichen seine Aufmerksamkeit. Für ihn ermöglicht das „Buch der Natur“ – ein Werk Gottes, das nicht verfälscht werden kann – dem Menschen, die Welt besser zu verstehen, zu sich selbst zu finden und sich der Erkenntnis Gottes anzunähern.

Anhand dieser drei bedeutenden Gestalten des mittelalterlichen Denkens untersucht Francesco, La natura e il divino die Verbindung, die den Menschen mit der Natur und dem gesamten Lebendigen verknüpft. Ein Gedanke, der ein zeitgenössisches Echo in der Enzyklika *Laudato si’* von Papst Franziskus findet – einem Aufruf, Sorge für unser „gemeinsames Haus“ zu tragen und unsere Beziehung zu der uns umgebenden Welt zu überdenken.

Micrologus
Patrizia Bovi – Gesang, Harfe, Naturtrompete
Federica Bocchini – Gesang, Zimbeln
Enea Sorini – Gesang, Cister, Perkussion
Goffredo Degli Esposti – Dudelsack, Flöte und Trommel, Doppelflöte
Gabriele Russo – Vielle, Rebec, Leier, Naturtrompete
Matteo Nardella – Schalmei, Dudelsack

Bericht von L'Invitu:

Wir hatten ein eher strenges Konzert erwartet – doch weit gefehlt: Die Musik, die Patrizia Bovi und ihr Ensemble Micrologus präsentierten – eine musikalische Rekonstruktion auf der Grundlage der Liturgien aus der Zeit des heiligen Franziskus von Assisi –, war überaus heiter und wunderschön. Besonders hervorzuheben ist ein fröhlicher Gesang aus dem Laudario di Cortona (13. Jahrhundert) mit dem Titel Sia laudeato San Francesco. Drei wunderbare Stimmen – Patrizia Bovi, Federica Bocchini und Enea Sorini –, exzellente Musiker und ein bemerkenswertes Instrumentarium (Dudelsack, Schalmei, Vielle, Rebec, Flöten sowie zwei außergewöhnliche Naturtrompeten) sorgten für ein herausragendes Konzert zu einem hochaktuellen Thema: der Verbindung zwischen dem Menschen und der gesamten lebendigen Schöpfung. War der „Poverello“ von Assisi vielleicht der erste Ökologe der Geschichte?

21:30 Uhr: Die Calusgiule funkeln ein letztes Mal auf, bevor sie erlöschen. Von den oberen Rängen her singt A Filetta Letterella, ehe sie sich auf die Bühne begeben.
Es folgen nacheinander Nicola Segatta, Maliheh Moradi und Hamin Honari, Seamus & Caoimhe (aus einer Loge heraus), Micrologus und schließlich A Filetta mit zwei Stücken: dem Gesang der Freier aus Ulysse („L'acqua hè paziente, noi nó“) sowie La folie du cardinal aus Le Libertin.

Schließlich gestaltete die aus Venezuela stammende Sängerin Rebecca Roger Cruz den Abschluss dieser „Rencontres“. Begleitet von einem Geiger, einer Kontrabassistin, einer Cellistin und einer Perkussionistin, verlieh Rebecca diesen 38. „Rencontres“ einen fröhlichen und rhythmischen Ausklang.

Nach dem Finale bleibt bei uns stets ein leichtes Gefühl der Frustration zurück, denn wir würden gerne mehr von den Gästen der „Rencontres“ sehen – und gleichzeitig ein vollständiges Konzert eines Künstlers erleben. Zudem stellt sich die Frage: Sollten zuerst die Gäste oder der Künstler auftreten? Eine eindeutige Antwort darauf gibt es nicht. Meiner Erinnerung nach endete das Finale früher erst zu einem späteren Zeitpunkt. Ich erinnere mich beispielsweise an „Cór de la Plana“, die den „Place d’Armes“ zum Tanzen brachten. Doch das Gedächtnis kann einen täuschen …

Und das war’s... Mit Wehmut verlassen wir das Foyer des Veranstaltungssaals (das sich im Laufe der Woche zu einem wunderbaren Ort des Austauschs und der Freundschaft entwickelt hat). Ein Gefühl, in dem sich Freude und Traurigkeit vermischen. Doch wir werden uns sicher in einem Jahr wiedersehen – s’è Diu vole...

Der Veranstaltungssaal :

Die Zeichner

Zum vierzehnten Mal ist das fröhliche Team der Pressezeichner mit von der Partie!

Die Gazette

Unter der Leitung von Serena hat sich die „Gazette du polyphone“ zu einer festen Institution entwickelt. Sie ist täglich im Shop erhältlich und liegt im Foyer des Veranstaltungsortes aus. Darin finden sich die besten Skizzen der Zeichner, Texte von François Canava sowie eine kleine Kolumne („La rubrique“) aus der Feder des Verfassers dieser Zeilen (eine kurze, „unmittelbare“ Zusammenfassung des Geschehens, die Sie oben nachlesen können).
Jede der fünf Ausgaben der Gazette steht auf der Website der „Rencontres“ als PDF-Download zur Verfügung: https://www.rencontrespolyphoniques.com/gazette

Der Text von Franck Tenaille:

Die 38. Ausgabe der „Polyphonies de Calvi“ ist erfolgreich zu Ende gegangen. Unter der Ägide von *A Filetta* und dem überaus aktiven Verein *U Svegliu Calvese* entfaltete sich ein bunter Reigen an Darbietungen aus Korea, der Bretagne, den USA, dem Iran, Italien, Irland, Argentinien und Korsika – von Barockmusik in Verbindung mit Flamenco über alternative Popmusik und körperbetonte Performances bis hin zu mittelalterlicher Musik, *Sean-nós*-Gesang, dem *Radif* oder der *Paghiella* und vielem mehr. Einziger Wermutstropfen war das Fehlen einer Schlüsselfigur dieser Begegnungen: des Historikers und Journalisten Philippe-Jean Catinchi, der im Juli verstarb.
PHILIPPE-JEAN CATINCHI: EINE POLYPHONE STIMME
Eine Zeichnung von Batti brachte es auf den Punkt: Sie zeigte ihn redselig und voller Tatendrang – angetrieben, so schien es, von den berühmten Duracell-Batterien in seinem Rücken. Genau das war Philippe-Jean: ein unerschöpflicher Redefluss, eine unstillbare Neugier, eine sprühende Energie. Er hätte einen geradezu erschlagen können mit seiner Art – wäre er nicht zugleich so faszinierend und einzigartig gewesen, kurzum: verdammt originell. Denn diese Persönlichkeit war ein Bündel an Gelehrsamkeit, das sein Wissen stets teilen wollte und andere dazu anregte, Neues zu entdecken, einen kritischen Geist zu entwickeln und den eigenen Geschmack zu schulen. Als ausgebildeter Historiker – in der Tradition von Philippe Ariès und Robert Mandrou, den Vätern der Mentalitätsgeschichte –, als Lehrender und seit 1994 als Literaturkritiker bei der Zeitung *Le Monde* setzte er seine Fähigkeiten dafür ein, Ideen und Denksysteme von ihren Fesseln zu befreien sowie ein Gedächtnis zu pflegen, das nicht museal erstarrt ist.
Ich persönlich lernte Philippe-Jean zunächst durch einen okzitanischen Schriftsteller kennen, mit dem wir beide verkehrten: Max Rouquette (1908–2005), der auch als Kandidat für den Literaturnobelpreis gehandelt wurde. Da Philippe-Jean an seinem Gymnasium in Lyon die korsische Sprache seiner Familie nicht erlernen konnte – was ihn sehr frustrierte –, wandte er sich stattdessen über Okzitanisch-Kurse der Welt Okzitaniens zu. Und so findet sich der Autor des pantheistischen Werks *Vert Paradis* in seinem literarischen Olymp in Gesellschaft von Marguerite Yourcenar, Vladimir Nabokov und Italo Calvino wieder – ein Quartett, das seine Psyche maßgeblich prägte. Diese vier Meister einer sinnlichen, körperhaften Sprache verbanden nicht nur ein ausgeprägtes ökologisches Bewusstsein, sondern auch ein besonderes Verhältnis zum Mythos, zum Exil (sei es geografisch, politisch oder sprachlich) und zum Gedächtnis.
Wer ihn kannte, erlebte ihn – trotz seines phänomenalen Gedächtnisses – als einen Menschen mit jugendlichem Geist; dies zeigten seine plötzlichen Geistesblitze, seine Begeisterungsfähigkeit, seine fundierte Leidenschaft für Kinder- und Jugendliteratur sowie seine Rolle als Vermittler – ja, fast als Mentor – für neue Autoren.
Ein „Fanfan la Tulipe“ – ein aufmüpfiger, bisweilen schwer fassbarer Geist –, dessen Leidenschaft für das Fechten an … erinnerte. Neben seiner Ausbildung als Mediävist stammte er aus einer Musikerfamilie vom Cap Corse und hegte eine tiefe Leidenschaft für Korsika und dessen Kultur (vgl. seinen Essay *Polyphonies corses* von 1999) – und damit verbunden auch für Sprachen und Kulturen von Minderheiten. Daraus ergaben sich seine vielfältigen Engagements auf der Insel: das Comic-Festival *Una Volta*, die Literaturbegegnungen *Libri Mondi*, die Verlegermesse *Leghje a Corsica* oder – ihm besonders am Herzen liegend – die *Rencontres de chants polyphoniques* (Treffen für polyphonen Gesang). Bei letzteren war er gewissermaßen selbst eine „polyphone Stimme“ – ganz im Geiste seines verehrten Kurosawa. Über diesen pflegte er zu sagen, dass er die unterschiedlichen Sichtweisen seiner Figuren auf ein und dasselbe Ereignis einander gegenüberstellte, um so seine komplexen, vielstimmigen Erzählungen zu entfalten. In diesem Sinne bestand sein wertvollstes Vermächtnis für das Festival in Calvi – wie Jean-Claude Acquaviva betonte – darin, „dazu beizutragen, die Unwissenheit zu bekämpfen, die Mutter aller Fehlentwicklungen“. Und in solch rauen Zeiten war das gewiss kein Luxus.
FRANK TENAILLE

Die Tops

Es ist dieses Jahr schwer, die Konzerte – die allesamt von hoher Qualität waren – gegeneinander abzuwägen. Letztendlich geben hier der persönliche Geschmack und die individuellen Vorlieben den Ausschlag. Was mich betrifft – einmal abgesehen von den Auftritten von A Filetta, die ohnehin außer Konkurrenz stehen –, so haben mich Rosela Libertad, José Sanchez und Alberto Garcia sowie Kiya Tabassian und Maliheh Moradi am meisten berührt.
Doch das absolute Highlight der „Rencontres“ ist jedes Jahr die außerordentliche Herzlichkeit aller freiwilligen Helferinnen (ich sollte eigentlich „Helferinnen“ schreiben, denn es sind überwiegend Frauen!).

Die Flops

Der einzige Reinfall bei dieser Ausgabe war das Fehlen der schönen Broschüre, in der die Vorstellungen vorgestellt wurden.